Directora: Marilee Newball Este grupo fue conformado en el año de 1995, como parte de una iniciativa de la señora Loris Maria MC. Nabby Francis (Nury), para dejarle a la isla de Providencia, Corazón del Caribe en Colombia y único Remanso de Paz de nuestra bella nación, un legado de cultura y folclor. Actualmente es promotora de Cultura Municipal, cuyo mayor objetivo es, rescatar, conservar y promover lo profundo y bello de lo nuestro en el ámbito nacional e internacional. El Ballet Folclórico Municipal, ha participado en eventos de gran reconocimiento tales como: “Festival Internacional de la Cultura” (Tunja – Boyacá); participación “Reinado Nacional e Internacional del Folclor” (Ibagué - Tolima); y presentación “Auditorio Carlos Martinez” de la Universidad Nacional de Colombia de Bogotá. Cuenta con un repertorio bastante amplio, que se divide en dos, clásico: Quadrille, Mazurca, Schotisse y Pasillo. Tropical: Calipso, Fantasía del coco, Mento y Slow Walts.

 Beatriz Bent es una artista visual, pintora y escultora reconocida en San Andrés por sus obras coloridas y vibrantes. Su arte está profundamente inspirado en los paisajes naturales de la isla, como el mar, los arrecifes y la vida marina, así como en la cultura y tradiciones locales. Sus pinturas capturan la esencia de la vida cotidiana en la isla, utilizando una paleta rica en colores que evocan el ambiente tropical. Bent también trabaja con materiales locales y técnicas mixtas, integrando elementos reciclados en sus esculturas, lo que refuerza su mensaje de sostenibilidad y amor por el entorno natural.

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Ben Green Fundado en 1982 bajo la dirección del maestro Rodolfo Brackman, conocido como “Ben Green”.  Integrado por 6 personas. Ha participado en varios encuentros culturales como El Festival de Música del Caribe,-1985, en Green Moon Festival, desde 1985 hasta 1992. Actualmente realizan conciertos en varios hoteles de San Andrés y participan en diferentes actividades locales como “Caribbean Evenings”, de la Casa de la cultura, en eventos organizados por la Gobernación, en el Festival Folclórico y Cultural de San Andrés Isla, en Festivales de Calypso “CALYPSO KING” y Festival de Danzas Folclóricas, entre otros. Recientemente llegaron de una presentación en Panamá.

Obras Recientes

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Destacada resulta toda la obra del artista indígena, de la comunidad inga, Carlos Jacanamijoy Tisoy (Santiago, Putumayo, 1964), quien se tituló, en 1991, como maestro en artes plásticas, con énfasis en pintura, de la Universidad Nacional de Colombia. Fue en este espacio universitario, abierto a las inquietudes de los jóvenes que procedían de diferentes latitudes, donde se concretó el anhelo de convertirse en pintor, proceso que el artista había iniciado en la ciudad de Pasto en 1984, cuando ingresó a la Escuela de Bellas Artes de la Universidad de Nariño. El maestro Jacanamijoy hizo, además, estudios de filosofía en la Universidad de La Salle (1989-1990), tema que abarca uno de sus principales intereses intelectuales y que, sin duda, le da soporte a sus manifestaciones personales y artísticas.

La obra de Jacanamijoy surge de la interacción del artista con un espacio específico: El valle del Sibundoy y sus tierras aledañas, las cuales se extienden hasta las selvas del Putumayo. Fue el historiador del arte Álvaro Medina quien acuñó el concepto de “abstracción realista” , idea que permite entender ese puñado de trazos multicolores y tonales, todos presentes dentro del rico universo pictórico del artista, el cual tiene origen en la reflexión que este ha hecho acerca de su tierra natal, una de las regiones con mayor biodiversidad del mundo. La obra de Jacanamijoy es rica porque él es una persona inteligente, pero además gracias al respeto cotidiano que expresa de la cultura de los ingas, todo un puñado de valores espirituales que guían el aprovechamiento de los elementos de la naturaleza, entre ellos algunos prodigios de la botánica, como la ayahuasca o yagé.Si bien los trazos que aparecen en la obra de Jacanamijoy pueden llegar a tener vínculos con los procesos rituales que permite el yagé entre los ingas, planta que tiene efectos místicos y alucinatorios; no se puede aseverar que dichas imágenes sean una simple mímesis del medio natural que el artista vio durante su infancia y adolescencia, tomado de la mano de su padre. Es en ese sentido que Álvaro Medina se refiere a un proceso, por medio del cual el artista abstrae aspectos de esa realidad para construir un complejo sistema de signos gráficos o “grafemas” que guían la obra y que con seguridad se afilian a la cosmogonía de un pueblo que estuvo bajo la influencia del pueblo inca, aquel que se extendió desde la Pucará de Tilcara en la región de Jujuy en la Argentina hasta la ribera del río Mayo, unos kilómetros al norte de la ciudad de Pasto en Colombia, y cuya presencia es evidente en cuanto que la lengua quechua es la que hablan los indígenas del valle del Sibundoy.Jacanamijoy ha merecido amplio reconocimiento, su obra hace parte de importantes colecciones internacionales, una de ellas el National Museum of the American Indian en la sede de Washington D.C. (Estados Unidos de América), institución que además incluyó a su hermano Benjamín Jacanamijoy Tisoy entre los más destacados pintores indígenas del continente americano.

Este aspecto es importante, porque para los Jacanamijoy la vida familiar tiene un sentido profundo, en cuanto que gira alrededor del respeto que se les rinde a los padres, abuelos y ancestros, quienes han transmitido conocimientos y valores ancestrales a una comunidad que ve en el chamán al individuo que logra comprender los secretos que gobiernan a todo un territorio sagrado, identificado con el Putumayo.Para Carlos Jacanamijoy “la historia se ha contado desde un modelo de dominación donde quien gobierna es el hombre blanco”; en ese sentido él ha logrado, a través del posicionamiento internacional de su obra, que el modelo colonial se invierta a favor de la estética y narrativa del indígena. Hoy, coleccionistas y galeristas luchan por tener una de sus pinturas, los precios pueden llegar a ser muy elevados, y en ocasiones quienes poseen los cuadros no alcanzan a comprender el conjunto de significados profundos que poseen sus obras. Sorprende que el hombre blanco satisfaga sus ansias de posesión del mundo a través del autoengaño; pues son pocos quienes se han tomado la tarea de escuchar las explicaciones que el Jaca brinda acerca de sus obras, bien sea a modo propio o a través de investigadores como el profesor Álvaro Medina de la Universidad Nacional de Colombia. Al respecto, resulta muy útil el catálogo de la exposición retrospectiva que organizó el Museo de Arte Moderno de Bogotá en 2013, allí figura un esquema que muestra una parte de la vasta jeroglífica presente en las obras de Jacanamijoy .Ojalá en un futuro no muy lejano, los investigadores logren construir un catálogo razonado de los símbolos indígenas del mundo, el cual permita descubrir alternativas lingüísticas, plásticas y epistemológicas acerca de cómo estos pueblos “originarios” han vivido en armonía con el medio natural y durante períodos muy prolongados .

Es en esa senda que Carlos Jacanamijoy se constituye en decano del saber iconográfico inga, la tarea de quienes entran en contacto con sus obras es dejarse llevar por el deleite plástico que el artista domina con sabiduría; pero además tratar de adentrarse en el conocimiento de una cultura rica y desconocida para los colombianos. La noticia es buena, pues existe una jeroglífica que explica la obra del pintor Jacanamijoy y su piedra rosetta es la voz del propio artista.Desde 1991, en tiempos de una nueva Constitución, Carlos Jacanamijoy hizo de la pintura su forma de comunicación y expresión personal. Así como muchos desconocen las normas y bondades contenidas en nuestra carta fundamental, también son otros tantos, quienes en Colombia manifiestan desprecio por las ideas de los indígenas y demás grupos humanos que han sido llevados, por obligación, a ser subordinados o marginados. Corresponde hoy tener mayor arrojo y carácter para atreverse a entrar a los mundos mágicos que proponen estas comunidades excluidas del mapa artístico y cultural colombiano.En tiempos en que brotan a borbotones los anhelos de paz, le conviene al pueblo colombiano empezar a escuchar la voz sabia de sus indígenas. La obra del maestro Jacanamijoy Tisoy es todo un tratado de filosofía visual que habla de lo que somos, hemos sido y seremos. Sabe bien el artista que su obra trasciende los anhelos fetichistas de coleccionistas, aduladores y mercachifles; es en esa medida que él regresa de manera constante al valle del Sibundoy para no perder contacto con los congéneres y sus imágenes, aquellas que proceden de los páramos o del fondo de la selva, a manera de visiones místicas (neblina, rocío, torrentes de agua, ventisca, caídas de frutos y hojas, rugidos, movimiento de ramas de árboles, croar de ranas, etc.) y enriquecidas por la sabiduría de un joven chamán que apenas ronda los 52 años de edad.En esta ocasión, la obra destacada no es un solo cuadro, pues se trata del conjunto de obras pintadas con maestría por Carlos Jacanamijoy; ellas conforman todo un tratado de reivindicación silenciosa de los derechos de las comunidades indígenas y constituyen una lección de cómo es posible hablar otros lenguajes diferentes al convencional, aquel propuesto por el rigor mortis capitalista, industrializado, globalizado y tecnificado. Colombia necesita otras narrativas, otras oportunidades, el Jaca egresado con honores de la Universidad Nacional de Colombia así lo ha demostrado.

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Director: Willy B Existe hace más de 35 años. Integrado por 6 personas. Han realizado presentaciones en diferentes festivales nacionales y cuatro giras internacionales por Costa Rica, Panamá, Ecuador y Venezuela. Han grabado 3 discos: “Willy Boys”, “Coral Group” y “Brother Tommy”.

Elkin Robinson es uno de los músicos más representativos de San Andrés Islas. Su música es una mezcla de reggae, calipso, mento y otros ritmos tradicionales del Caribe, que captura la esencia de la vida isleña. Conocido por su estilo relajado y letras en inglés criollo, Robinson aborda temas como el amor, la vida en la isla, y la conservación del medio ambiente. Ha ganado popularidad no solo en San Andrés sino también en el resto de Colombia y en el Caribe, llevando el sonido raizal a festivales internacionales.

Foto: Radio Nacional de Colombia 

 Fredrick “Choco” Bryan es un artista polifacético que ha trabajado en la pintura, la escultura y la música. Su arte refleja la historia y la vida cotidiana del pueblo raizal, abordando temas como la herencia africana, la cultura isleña y la conexión con el mar. Sus obras suelen incluir motivos marinos y escenas costumbristas, además de representar personajes icónicos de la comunidad. Bryan también es conocido por su activismo cultural, promoviendo la importancia de preservar la identidad y tradiciones de San Andrés a través del arte.

Inició como miembro del Coro de Jóvenes de la primera Iglesia Bautista de San Andrés Isla, donde se destacó como solista bajo la supervisión del profesor Walwin Petersen y posteriormente pasó al coro de adultos también como solista. Desde 1995 hasta 1998, fue solista del Coro “King Singers” de San Andrés, primer soprano y solista del Coro Metropolitano de San Andrés, bajo la dirección del maestro Eduardo Hooker y la supervisión de la soprano Trudy Bent, con quien estudió técnicas de voz durante dos años y medio. Con el Coro Metropolitano participó en giras por ciudades como Bogotá, Medellín, Ibagué, Barranquilla, Cali, Santa Marta, Riohacha y varios municipios de Cundinamarca. Julia Martinez ha hecho varios recitales y presentaciones en congresos nacionales e internacionales, es instructora de técnicas voz, ex-directora del Coro de Jóvenes de la Primera Iglesia Bautista de San Andrés y ganadora del V festival de la canción Hill y Mary. Actualmente se encuentra bajo la supervisión de la Dra. Meckila Pierce, directora coral, pianista clásica, experta en música Gospel y Negro Espiritual. En su presentación la acompaña el pianista Ricardo Newball Stephens, integrante de “Holly Conquerors”.

 Directores: Albert Gomez y Job Saas

Fue formado en el año 2003 gracias a la iniciativa de Albert Gomez con el nombre “The Holly Five”. Con la vinculación del vocalista Job Saas se cambió el nombre por “The Holly Conquerors”, nombre que refleja la manera de pensar de sus integrantes, difundiendo un mensaje basado en la paz, la armonía, la integración y la identidad cultural. Albert y Job Saas, sus directores han tocado juntos en otras bandas de la isla de San Andrés como The Rabels, Roots & Culture. Actualmente son los más destacados interprétes y ejecutores del Reggae, Socca, Calipso, entre otros géneros musicales.

 Job Saas, acompañado por su banda The Heart Beat, ha sido un pilar en la música raizal de San Andrés. El grupo combina reggae con ritmos propios de las islas como el calipso y el zouk, con letras que hablan de la vida en el archipiélago y temas sociales. Job Saas es conocido por su energía en el escenario y su compromiso con la preservación de la identidad cultural del pueblo raizal. Han sido influyentes en la promoción de la música isleña y han llevado su sonido a diferentes ciudades de Colombia.

 Inició como miembro del Coro de Jóvenes de la primera Iglesia Bautista de San Andrés Isla, donde se destacó como solista bajo la supervisión del profesor Walwin Petersen y posteriormente pasó al coro de adultos también como solista. Desde 1995 hasta 1998, fue solista del Coro “King Singers” de San Andrés, primer soprano y solista del Coro Metropolitano de San Andrés, bajo la dirección del maestro Eduardo Hooker y la supervisión de la soprano Trudy Bent, con quien estudió técnicas de voz durante dos años y medio. Con el Coro Metropolitano participó en giras por ciudades como Bogotá, Medellín, Ibagué, Barranquilla, Cali, Santa Marta, Riohacha y varios municipios de Cundinamarca.

Julia Martinez ha hecho varios recitales y presentaciones en congresos nacionales e internacionales, es instructora de técnicas voz, ex-directora del Coro de Jóvenes de la Primera Iglesia Bautista de San Andrés y ganadora del V festival de la canción Hill y Mary. Actualmente se encuentra bajo la supervisión de la Dra. Meckila Pierce, directora coral, pianista clásica, experta en música Gospel y Negro Espiritual. En su presentación la acompaña el pianista Ricardo Newball Stephens, integrante de “Holly Conquerors”.

 Psicóloga con diplomado en gestión cultural, ha dedicado su trabajo a la investigación y divulgación de las tradiciones orales del archipiélago, trabajo por el cual ha recibido varias distinciones como el Premio Nacional de Colcultura por el libro Nacimiento, vida y muerte de un Sanandresano” y el premio de literatura por el libro Cuentos de Anansy . Como cuentera ha participado en numerosos festivales tanto nacionales como internacionales donde ha recibido premios por su gran talento para narrar historias. Por las labores desempeñadas en favor de la cultura isleña fue escogida como Mujer CAFAM en el año 2000.

Se creó en Providencia en el año 1996. Actualmente cuenta con cinco músicos, su maestro es Kemisto Mc Lean quien interpreta la mandolina y el violín y el director manager es William Britton. Herederos de una reconocida estirpe musical de San Andres y Providencia, este grupo es la tercera generación de músicos fundada por el violinista Casibala MC´Lean. El grupo interpreta música típica como cuadril, mazurca, scottishe, polka, pasillo, waltz y el foxtrot, entre otros. Música tropical como mentó, bolero, calipso y otros. Ha tenido la oportunidad de mostrar su talento en conocidos hoteles y empresas en varias ciudades del pais. En mayo del 2001 hizo la grabación de su primer CD. 

Director: Trujillo Hawkins Integrado por seis artistas. Es un grupo folclórico de Providencia. Ha participado en dos Festivales de la Leyenda Vallenata y en Festivales Departamentales Folclóricos de San Andrés. Ha representado a Colombia en Panamá en el Consulado de Colombia. Grabaron el CD “Seven Colors”

 Narradora de la tradición oral de Providencia y Santa Catalina. Coordinadora del Grupo de Teatro Rack Time de Providencia con el que ha participado en encuentros de “Ethnic Roots”. Maestra de Teatro y actualmente coordina a adultos mayores.

 Artista llanero poseedor de un refinado estilo interpretativo y solidez técnica, que ha acompañado con su grupo un buen número de cantores llaneros. Compositor e intérprete, ha publicado los trabajos discográficos Cuerdas Araucanas y Paraiso Llanero que contienen obras propias y arreglos de piezas tradicionales. Ha actuado además en España, Venezuela y Paraguay.

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 Cantautora nacida en Maní Casanare. Inició su carrera artística a los 15 años, durante este tiempo ha estado vinculada con la música llanera obteniendo importantes triunfos en Colombia y en Venezuela tales como: primer puesto voz recia en el Festival Voz del Táchira, San Cristóbal Venezuela; Festival Voz del Alma LLanera - Venezuela, 1995, Festival San Martín, Meta 1998, Festival del retorno, en Acacías, Meta; Festival cimarrón de oro, Yopal, Casanare.  Ha obtenido el primer puesto en cuatro oportunidades en el Festival de la Frontera de Arauca, Venezuela, y en el Festival el Girara de Oro en Tame, Arauca. Obtuvo el primer puesto en dos oportunidades en el Festival Internacional de la Canción Colombiana, en Villavicencio, Meta. Ha participado en varias giras Colombo- Venezolanas al lado de artistas como Reynaldo Armas, Luis Silva, Reyna Lucero, Orlando Cholo Valderrama, Aries Vigoth y Juan Farfán, entre otros. Actualmente cuenta con tres trabajos discográficos: Ser LLanera es un Honor , Amor, LLano y Canción y su más reciente producción La Negra Sabrosa.

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 Reconocido como la mejor voz recia de los llanos colombo - venezolanos. Tiene en su haber múltiples producciones discográficas, y ha sido reconocido con un gran número de premios nacionales e internacionales tales como El Coplero de Oro de Venezuela (1987), mejor voz recia en los festivales El Silbón (1987), Cantaclaro (1988), Florentino de Oro de Venezuela (1899), Torneo Internacional del Corrío Llanero (Colombia, 1990), Festival Internacional de la Canción Llanera (Colombia, 1992), Festival Internacional del Llano (Colombia, 1992), y ha sido nombrado Hombre del año por la Sociedad de Autores y Compositores de Colombia en 1993.

 Miguel Ramos, Elí Santiago Rodríguez y Raúl Colmenares, son los máximos exponentes de esta tradición de origen medieval, muy común en los llanos colombo-venezolanos, aunque su práctica se encuentra en alto riesgo de desaparición, pues no existen muchos cultores de esta modalidad. Los cantos de velorio se realizan como agradecimiento a una petición concedida por el santo de la devoción del peticionario, desde las 6 de la tarde hasta las 6 de la mañana del dia siguiente, teniendo como centro una mesa adornada con santos, flores y velas. Participan 3 cantadores, uno de los cuales es el llamador; los dos restantes le hacen el coro con el acompañamiento de un bandolista y un cuatrista. Mientras los cantadores interpretan las tonadas, los asistentes guardan relativo silencio entreteniéndose con varios juegos de pantomima como la Marisela, con el fin de acompañar toda la noche al peticionario hasta terminar el velorio. A las 6 de la mañana, se guardan los santos con una procesión por los alrededores de la casa y empieza el jolgorio como un símbolo para celebrar que el peticionario terminó su promesa.

 Cantador araucano ganador, entre otros premios, de dos de los más importantes festivales de canto recio: El Cimarrón de Oro, en Colombia y La Voz del Alma Llanera, en Venezuela. Ha realizado varias producciones discográficas.

Obras Recientes

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Carmen Elvira Trujillo, de Caquetá. A través de la pintura libera el horror que padeció su hermano quien estuvo secuestrado, situación que ella describe como un infierno.  Quiere crear conciencia y aportarle un poco a la sanación de las heridas de todos aquellos que padecieron ese horror. Ha participado en varias versiones del salón BAT de arte popular. 

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 Esta artista casanareña es la más destacada cantante llanera de los últimos tiempos. Cantautora de gran proyección y compromiso regional. Ha ganado como cantante en la modalidad de Voz Recia -canto de joropo tradicional- la mayoría de los festivales de música llanera de Colombia y Venezuela. Ha grabado varios trabajos discográficos y es una importante figura de la escena llanera en los festivales de la región.   Nacida en el hogar del bandolista Pedro Florez, en la familia todos son artistas. Elda lo hacia por aficion, hasta que fue impulsada a cantar en un festival en el cantaba un concursante. Ganó y se decidio por el folclor, "porque vi que podia y ya no me daba miedo".

Asistio al festival Colombo- venezolano de Radio Tachira, en San Cristobal, constituyendose en la revelacion con su joropo Alma bolivariana.  Triunfadora en el festival del Retorno de Acacias y en el Arpa de Oro de Saravena, ha producido cuatro discos de larga duracion, todos con joropo, pajarillos y pasajes de su inspiración; Yo soy el Alma llanera, hasta cuando patria mia, pa lante musica criolla.

 La Casa de la Cultura de Maní, Casanare, fue creada con el objetivo de rescatar e impulsar los valores artísticos propios de la idiosincracia llanera. Al cumplir hoy sus diez años de fundación, se cuenta con un verdadero semillero de artistas, que son un gran baluarte para el municipio de Maní, llevando como estandarte principal la bandola llanera, acompañada de otras manifestaciones como el baile de Joropo, del contrapunteo, las voces románticas y recias, que despiertan el horizonte abierto en cada amanecer. En la fotografía se puede apreciar la representación del Entierro de Palma.

 Desde niño hace figuras en piedra, en arena y en madera. La fotografía tiene para el artista un gran significado, pues le recuerda momentos de su infancia y situaciones que vivió en San Martín, en el Meta. 

Bachiller del Colegio Nacionalizado Braulio Gonzáles de Yopal. Licenciado en Ciencias Sociales y Económicas de la UPTC, Tunja. Maestría en investigación y docencia de la UPTC, Tunja. Además, ha realizado cursos de archivos y paleografía en investigación histórica. Toda su vida investigativa la ha dedicado a la historia de los llanos. Ha participado como ponente en el primer, segundo, tercero y cuarto Simposio de Historia sobre los Llanos Colombo Venezolanos en Villavicencio (1988), Yopal (1990), Arauca (1992) y San Martín, Meta (1995); En el VI Congreso de Academias Departamentales de Historia (Tunja, 1994); en el IX Congreso Nacional de Historia Colombiana (Tunja, 1995); fue conferencista invitado en la VII Feria Internacional del Libro (Bogotá, 1984). Además, ha participado en otros eventos de carácter regional. Se desempeñó como Secretario General y compilador de las memorias del Segundo Simposio de Historia Oral del Casanare, dirigido por CORPOS y el Centro de Historia de Casanare, de cuyo trabajo se han publicado “Los libros del llano”, “La cartilla” “Casanare” y la serie “Vidas casanareñas”, auspiciados por la Asociación Santiago de las Atalayas. Actualmente se desempeña como docente en el Colegio Braulio González de Yopal. Es el director y asesor de la revista Caribabare, publicación del Centro de Historia de Casanare. Se ha desempeñado como tutor en la asignatura Seminarios de Investigación del IDEAD – UPTC.En el año 1987 público el libro “La participación de Casanare en la Guerra de Independencia, 1809 – 1819”. Articulista permanente en revistas y periódicos regionales y nacionales.

 Cuatrista nacido en Bogotá, quien ha realizado estudios musicales en varias academias llaneras. Ha participado en varios eventos nacionales e internacionales, ocupando destacados lugares tales como: El Festival del Rodeo en Tauramena, Casanare, en 1995, como mejor cuatrista; el XXX Festival Internacional Folclórico y Turístico del Llano, en San Martín Meta, 1996; el Torneo Internacional de la Canción Llanera, en Villavicencio 1997; el Festival Folclórico del Rodeo Tauramena, Casanare, 1998. Ha sido integrante del grupo Ballet Tierra Colombiana, ha participado en más de 15 trabajos musicales de diferentes artistas llaneros, es integrante de la delegación de Bogotá al Festival del Retorno en Acacías, Meta en 1999. Participó en el trabajo discográfico de Rafael Martínez el Cazador Novato .

Inició sus estudios de teoría y solfeo en la escuela superior de música José Ángel Lamas. posteriormente integró la cátedra de guitarra popular con el profesor Carmelo Rodríguez, en los talleres de cultura popular de la Fundación Bigott. Realiza estudios de lectura musical y armonía con los profesores Orlando Urdaneta y Armando Lovera, respectivamente. Músico instrumentista destacado de diversas agrupaciones corales. Actualmente se desempeña como bajista y guitarrista de varios grupos y géneros tales como la banda de la bandola, mastranto jazz, Vasallos del Sol Jarana René y Reny, Shezura, Sweet Jam. En este momento participa junto a un grupo de destacados músicos en sesiones de grabación para diversos canales de TV y jingles publicitario.

El artesano casanareño Hermes Romero Vidal, nacido en el año 1963 en la Fundación La Argelia, vereda Candelaria del municipio de Paz de Ariporo, fue nominado por La Organización de las Naciones Unidas para la Educación, la Ciencia y la Cultura (UNESCO), al Reconocimiento a la excelencia artesanal, clasificando dentro de los siete colombianos, de 44 que se presentaron, para esta nominación.

Hermes, quien desde muy niño sintió admiración por las artesanías, hace 20 años se ha dedicado a la elaboración de Campechanas, especie de hamaca en cuero, las cuales forman parte de nuestros utensilios criollos, ha tenido gran figuración a nivel nacional, siendo nominado en 1998, por CREA, Ministerio de Cultura, a mejor muestra Artesanal llanera y 2010, medalla a la maestría artesanal como mejor artesano tradicional del país otorgada por el Gobierno Nacional, a través de Artesanías de Colombia, Además de ser artesano, es músico y compositor de la cultura llanera y estuvo vinculado a la Liga de coleo de Casanare, como juez Nacional. Participó en el trabajo investigativo “Cantos de trabajo de llano” auspiciado por el Ministerio de Cultura, los cuales en enero del presente año, fueron declarados Patrimonio Inmaterial de la Nación.

 Con una extensa carrera, este gran cantador araucano posee un estilo de gran calado en el pueblo llanero. Sus grabaciones discográficas constituyen éxitos regionales y su presencia en los festivales de música llanera en Colombia y Venezuela es de gran aceptación entre el público seguidor de este género. Juan Farfán, quien es hoy por hoy el más popular de los artistas llaneros en el oriente colombiano, goza además, de una gran popularidad en el llano venezolano.

 León Antonio Zapata artista popular de Villavicencio, Meta; se dedicó desde niño a tallar la madera como una forma de diversión, en el 2003 su inspiración lo llevó a plasmar el amor que tiene por los caballos y el llano. 

Obras Recientes

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María Segunda Chavarro, de Acacías, Meta. Para realizar su obra recurre a materiales reciclados de la naturaleza como hojas de arbóles, plumas, entre otros. Su obra representa el arte plumario. Ha participado en el Salón BAT desde la primera versión y en la sexta versión fue ganadora de mención de honor.  Fue algo que nació en mí, una inquietud que no tenía clara. Guardaba palos de colombina, de paletas, papeles rizados de galletas, todo en serie, con la intención de hacer algo, sin saber qué. De siete años me era imposible definir qué hacer.  Siempre he tenido el arte presente, realizando dibujos, tejidos, bordados y figuras con artículos inservibles. Viendo cómo llevan las aves sus plumas, nunca dejo de pensar que sería fantástico realizar algo con ellas por su secuencia, que me llama la atención. Después de pensarlo muchos años me decidí a plasmar con las plumas guardadas un árbol que estaba viejo en mi memoria. Luego otro árbol, con la idea de plasmar todos los árboles del mundo. Luego me desvié y plasmé un paisaje, y muchos más."En toda mi obra hago un homenaje a los paisajes de mi patria y a la gran belleza de las plumas de nuestras aves de consumo, que son subvaloradas e inutilizadas.  A los animalistas quiero aclarar que nunca sacrifico un ave con el fin de crear una obra de arte. Las realizo con plumas que me han regalado de aves de corral de fincas, que son para el consumo diario. Si hay alguna pluma diferente, de otra ave, es que ha sufrido un accidente y también me las han regalado o las he encontrado en alguna carretera sin vida. Me siento incapaz de maltratar por gusto cualquier animal, de hecho los cuido y protejo.

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El Cazador Novato, como se le conoce desde cuando el famoso poema llanero del mismo nombre -pionero del género- salió a la luz pública en el medio discográfico, es el más popular declamador llanero de Colombia y Venezuela. Su estilo jocoso y caracterizadamente criollo lo han convertido en el favorito del público e invitado de honor en los festivales de música llanera.

 Intérprete de varios instrumentos de música llanera como el cuatro, el bajo y la bandola. Ha formado parte de los más importantes grupos de música llanera de Colombia tales como el Grupo Cimarrón, Café y Petróleo, Mario Tineo, Darío Robayo y su Grupo y Abdul Farfán y su Grupo Caney. Ha participado en varios festivales a nivel nacional e internacional, como el Festival Colombiano de Miami en 1986; el Festival Internacional de Washington en 1986; el Festival Womad en Toronto, Canadá 1991; ExpoSevilla, en 1992; el Festival Internacional de Houston, en 1995; el Festival Internacional de Biarritz Cinemas et Cultures de l´ América Latine-, Francia 1995; Jornadas culturales de Colombia en Asunción, Paraguay, 2000; Festival Internacional de Música Llanera El Silbón , Guanare-Estado Portuguesa -Venezuela.

En Colombia ha participado en el Festival Internacional de Música de San Martín, Meta, en el Cimarrón de Oro, de Yopal, en Villavicencio, en el Torneo Internacional del Joropo, entre otros. Ha sido jurado en varios festivales nacionales e internacionales. Ha grabado varios discos de música llanera como acompañante de los más reconocidos artistas a nivel vocal e instrumental. Actualmente se desempeña como docente en el programa de música de la Academia Superior de Artes de Bogotá.

Víctor María Mujica Omaña, nació el 27 de noviembre de 1937 en la finca del Sarare, vereda de Santa María, municipio de Hato Corozal, conocido como el “Indio Mojao”. Es un gran poeta llanero que creció con el olor a mastranto, que ha podido mirar con el alma y copiado con tintas indelebles el fulgor de la naturaleza de su llano, escribiéndole al silencio, a la nostalgia, ala gamita, al toro bravo, al cacho bebedero y a la palma, convirtiendo la llanura en un piélago de luz de calor y de vida.  A sus 77 años recuerda sus múltiples poemas que lo ha hecho que nadie que no quede al olvido.

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 Coplero, compositor, e improvisador en el canto llanero. Ha participado en los más importantes festivales de joropo celebrados tanto en Colombia como en Venezuela. Su calidad artística lo ha proyectado hacia otros escenarios fuera de Venezuela, tales como Estados Unidos, Colombia, Aruba, Curazao, Saint Vincent, Trinidad y Tobago, Guyana y España, quienes han conocido la pureza y fuerza de su canto recio.   

Con su música, Vidal Colmenares retrata la belleza de la mujer, cuenta anécdotas joroperas, de hechos reales, de la vida. "A través de un corrío narrado en versos, se puede denunciar cualquier atropello que se esté cometiendo, ya sea contra una persona o en contra de la naturaleza", expresó.

La primera producción discográfica de este artista apareció en 1975, tiempo en el que cantaba música recia con la agrupación de música venezolana Un solo pueblo, con la cual graba tiempo después reconocidas piezas de tradición venezolana, parrandas llaneras y un Pajarillo.

Una segunda producción, esta vez de larga duración, apareció mucho después, en 1983, con el título Añorando tiempos idos. Otros títulos aparecieron después, entre ellos Otro llano, Portuguesa en una voz, y un disco en homenaje a Ignacio Indio Figueredo, reconocido cantante de música folklórica cuyas canciones se escucharon en el estado Apure, a partir del año 1910. Este disco fue editado y reproducido por el Centro Nacional del Disco (Cendis).

También el Cendis hizo una edición de la leyenda Florentino y el Diablo, pieza original del poeta venezolano Alberto Arvelo Torrealba, que en 1997 Vidal Colmenares interpretó con el también cantante de joropos Nelson Parra.

El cantante Walter Silva nació en el año de 1973 en La Plata, Casanare, sin duda alguna se ha convertido en una de las figuras más representativas del canto recio y donde relata las mejores historias en cada una de sus canciones además de resaltar los Llanos Orientales colombianos.

Sus trabajos discográficos han sido un éxito en las diferentes emisoras del país, como su álbum Cosecha traviesa donde el sencillo Tu Vestido y Mi Llanura es un homenaje a los colores del llano y a la mujer llanera.

Como dice la canción cuando te vistes de verde, con tu vestido floreao, pareces a mi llanura pecosita de ganao. Como dice la canción trato de hacer una similitud con la mujer llanera comparándola con los colores del llano; cuando se viste de rojo se parece a una corocora, es la comparación que trato de hacer, explica el artista.

Sus letras siempre se destacan por las historias de los paisajes en el Meta y Casanare, pero también de sus vivencias, especialmente en una de sus canciones más representativas en su carrera musical como es “El chino de los mandados”, es un retrato de la niñez campesina del artista, donde afirma que nunca pensó que fuera una herramienta para que la niñez campesina de Colombia se identificara con la canción.

De igual forma, es tan especial para él porque la hizo pensando en su madre que siempre la recuerda cada vez que interpreta este tema en los escenarios.

“Considero que el eco que ha tenido esta canción es precisamente la naturaleza de la misma, cuando hablé sin prevención alguna de nuestra infancia con unos sacrificios de una madre campesina, lo hice sinceramente en lo personal pero no pensé que, a futuro, casi que once años después, se convirtiera en un espejo de la niñez colombiana”, puntualiza Walter Silva.

 Joven cantante vichadense que se ha constituido en el más promisorio valor del canto recio en Colombia. A pesar de que su participación en festivales de música criolla es muy reciente, ha obtenido significativos triunfos tales como El Cimarrón de Oro (Diciembre de 2000) y el Primer Puesto en la Modalidad de Voz Recia en el Torneo Internacional del Joropo de Villavicencio, este año. Como integrante del Grupo Cimarrón, actuó en representación de Colombia en el Kennedy Center de Washington (USA) en el marco del Festival de las Américas en el pasado mes de febrero.

Nació en Santa Rosalía Vichada, el 07 de mayo de 1979; sus padres don Luis Octavio Gámez, y la señora Alcira Balcarcel, el quinto hijo del matrimonio.

Dio sus primeros inicios como cantante a la edad de 10 años en el colegio Camilo Torres de Santa Rosalía (Vichada), su tierra natal; después al llegar a la adolescencia con el cambio de voz, realizo un largo receso en su vida artística. Después de pasado un tiempo a la edad de los 20 años reinicio su carrera artística e incursiono en los diferentes festivales que se realizan en Colombia y Venezuela obteniendo en un lapso de tres (3) años Setenta y Dos primeros lugares en el reglón de Voz Recia; dando como gran merito el único festivalero que ha obtenido consecutivamente esta cantidad de logros.

Nacida en Cizañare. Ha participado en el joropódromo, donde ocupó el primer puesto en pareja de baile, ganadora de “La Espiga de Oro” de Aguazul Cizañare como pareja de baile. Invitada especial a la Primavera Vichada. Comentarista y narradora del programa radial Talanquera Abierta.

Ana Veydó es una de las voces femeninas más destacadas de la música llanera. Es conocida por su poderosa voz y su estilo que combina la tradición con una interpretación moderna. Además de ser cantante, ha trabajado como embajadora cultural, llevando la música llanera a escenarios internacionales y promoviendo la igualdad de género dentro del género. 

Conocida artísticamente como Ana Veydó,  inició su carrera como solista con participaciones en festivales y concursos de música llanera en Colombia.1​ Fue pionera en ese país en la modalidad de canto recio femenino, un estilo vocal tradicionalmente asociado a los hombres.

Su primera producción discográfica fue Recio, un trabajo musical que reúne clásicos del folclor llanero tales como María Laya, La guayaba, Las ramas del guayabo, El Cimarrón, temas que popularizaron artistas como Ángel Custodio Loyola y El Carrao de Palmarito.

Otros temas interpretados por Ana Veydó fueron El Pajarillo, Seis por derecho, Zumbaquezumba y Corrío, todos representativos del género recio. Su segundo trabajo discográfico, Las dueñas del canto recio, realizado en conjunto con otras intérpretes de este estilo, contiene el tema La mujer llanera, que llegó a ser muy conocido en el medio criollo.

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Nací el 9 de junio de 1961 en Bëngbe Uáman Tabanok “Nuestro Sagrado Lugar de Origen”, hoy llamado Sibundoy, en el departamento del Putumayo. Desde la infancia he estado vinculado a las creaciones artesanales indígenas por la herencia de mis padres Justo Jacanamijoy (qepd) y María Juajibioy (qepd), mi padre hacedor de instrumentos musicales y tejedor de mochilas ancestrales Shecnajëng y mi madre tejedora de chumbes tradicionales Tšombiachëng. Cursé estudios primarios y secundarios en el Colegio Champagnat de Sibundoy. A los 23 años inicié mi carrera artesanal recuperando, entre otras creaciones, el banco tradicional Tšenëš, y centrando mi labor en las máscaras ceremoniales de nuestro carnaval indígena Clestrinÿe, así como en la expresión cotidiana de la vida del hombre y mujer Kamëntšá a través de los rostros ancestrales. Mi dedicación exclusiva es la Talla en maderas nativas del Valle de Sibundoy expresándolo en máscaras ceremoniales, bancos tradicionales, bateas de ofrenda, figuras articuladas, rostros ancestrales y obras especiales de la mitología ancestral Kamëntšá. Actualmente lidero el Taller Artesanal JACAM en el Resguardo Indígena del Pueblo Kamëntšá, en la Vereda Tamabioy, Sibundoy, Putumayo. He sido condecorado con la Medalla a la Maestría Artesanal Tradicional (2001) Contemporánea (2013) y la Medalla Maestro de Maestros (2015). He sido referenciado como uno de los mejores Maestros de Arte Popular en Colombia e Iberoamérica y mis obras hacen parte de la Colección Fomento Cultural Banamex que reúne alrededor de 5.000 obras de maestros del arte popular Iberoamericano. JACAM proviene del idioma Kamëntšá y significa «recoger, cosechar o tomar algo» Recoger el pensamiento de nuestros mayores, cosechar la chagra del espíritu y tomar las palabras de vida. 

 Compositor y saxofonista, ha estado involucrado en la investigación de los elementos y ritmos de la música colombiana. El resultado de esta búsqueda ha sido un novedoso lenguaje que consolida el uso de estos elementos en sus trabajos discográficos: Travesía, Orígenes, Encuentros y Colombia, en donde mezcla elementos característicos del lenguaje del jazz y de otros nacidos en América. Muestra de su compromiso es esta participación en el lanzamiento del XX Festival Nacional de la Cumbia. Sus invitados son: Ramón Benitez, julián Sarmiento, Jorge Sepúlveda y Julián Gómez.

Valencia, pintor, muralista, uno de los mejores retratistas de mediados de siglo, murió el 18 de septiembre de 1998, en Armenia. Su muerte pasó casi desapercibida. Había regresado hace cinco años a esa ciudad, con la esperanza de retornar pronto a Europa, pero nunca lo pudo hacer. Estaba inválido, como consecuencia de un virus en la columna vertebral, pero así siguió trabajando. En silla de ruedas elaboró un enorme mural en el Parque del Café. Son suyos los murales de las gobernaciones del Quindío en Armenia y del Huila en Neiva. Valencia, cuya debilidad fueron las mujeres, nació en 1926 en Circasia, Quindío. Fue un hombre sencillote, típico pueblerino que usó pantalón corto hasta los 21 años . Así lo recuerda su hijo Alejandro. Se fue a estudiar Bellas Artes en Bogotá, donde se destacó como retratista. El maestro León de Greiff iba a su casa a posarle. Esta habilidad le valió varias becas y distinciones. También fue fundador y editor de la revista Plástica, la primera en su género en el país, que era ilustrada con trabajos de Hernando Tejada. Corría el año 47. Lucy se destacaba como estudiosa del arte. Por eso cuando Alejandro Obregón le sugirió que se cambiara a la Nacional para estudiar Bellas Artes entró directamente a quinto semestre. Allí se encontró con Antonio Valencia. Eran los únicos alumnos de ese curso. Esa cuasi privacidad fue cómplice para un vertiginoso romance que terminó el mismo año en matrimonio. Eran un par de iconoclastas, al igual que sus padrinos Pachito Eché (Echeverry) y Fernando Gaitán Durán. Tanto que el cura de la iglesia de Egipto, situada en una loma bogotana como la de San Antonio en Cali, tuvo que pegarles un berrido porque no se querían arrodillar a la hora de la Elevación. Años después la pareja de artistas estuvo un tiempo en la Guajira. Ella regresó a Bogotá a alumbrar a su hija Claudia, y él se quedó. A mi me tocó sola todo lo de la niña y hasta debí elegir su nombre, porque Antonio desde la Guajira me dijo: ... se va a llamar Pampaestepa . Después, con una beca de la Metro donde Antonio ocupó el primer puesto y Lucy el segundo, viajaron a España. Pasearon mucho, visitaron museos en Madrid, París, Toledo, Marruecos, Granada, Sevilla Málaga. Pero cuatro años después, en forma inexplicable, él la dejó. Se fue con una cantante de tangos. Dicen que los acompañaron Gaitán Durán y la escultora Felisa Burstein, también en plan de fuga. Uno de los retratos más famosos de Valencia es el del poeta de Greiff. Pero además de su arte, también era famoso por sus travesuras. Su hijo Alejandro recuerda una de las más sonadas, cuando le dio una trompada al entonces político de Facatativá Julio César Turbay Ayala presuntamente porque no le pagó un trabajo para un periódico o una revista.

Tomado: El Tiempo 

Artista popular bogotano, elabora obras con un toque de diversión, usando la técnica del collage como medio de expresión, en sus obras plasma la pasión que tiene por las vírgenes (ícono religioso).

Creada desde el año 2011, está conformada por 60 niños y jóvenes de distintas instituciones de  Piedecuesta, Bucaramanga, Girón, Floridablanca, entre otras zonas del área metropolitana.  La Banda de Vientos Musicales Carol ha logrado objetivos a corto plazo como el proyecto de la retreta en Bucaramanga, dando cinco conciertos en los más reconocidos centros comerciales de la ciudad.  Participaron en el encuentro de Bandas de Vientos que se realizó en Piedecuesta el 20 de noviembre de  2017 en el marco de la convocatoria nacional en celebración del día de la música organizado por el ministerio de Cultura.  Su objetivo es ser formadores de jóvenes instrumentistas que con sus talentos y aptitudes inviten a la paz y a la convivencia social de nuestros pueblos, y así, convertirnos en una agrupación juvenil musical embajadora de música a nivel nacional con proyección Internacional.  Su repertorio consta de obras de música clásica internacional y nacional, folclor latinoamericano, música colombiana y jazz. 

Contacto 

Reinaldo Gamboa Carrero 

Móvil: 3016592009 

rgcgamboa@hotmail.com 

Nariño, es una de las regiones de Colombia donde la cultura popular tiene un mayor arraigo y de manera singular, el trabajo de los artesanos. Dentro de este contexto, el maestro Carlos Sánchez, dedicó su  trayectoria artística a representar las costumbres y la cotidianidad de su tierra natal, es reconocido como uno de los mejores de su región. Esta obra, muestra una de las conmemoraciones decembrinas de la natividad:  el Paso de la Virgen, celebración en la que el baile de las cintas,  de profunda influencia europea, es el protagonista. Gentes sencillas, con su vestuario de fiesta en el que desde tiempos ancestrales predomina el color púrpura, oran, bailan y cantan alrededor de la virgen, mientras que el paisaje es testigo de un pueblo que se regocija con sus tradiciones.  Esta obra, es el Gran Premio del II Salón BAT de arte popular, porque además de su tremenda calidad temática, el jurado quiso resaltar la perfección con la que el artista maneja la técnica del tamo, y con esto, un mensaje para rescatar y promover el uso de las técnicas ancestrales del arte popular colombiano.

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Mi trabajo se centra en la representación de animales como vehículo para indagar sobre la relación entre fauna y vida humana. Me interesa hacer objetos y configurar imágenes de una naturaleza artificial y delicada. Controlamos el entorno del que nos hemos separado, permanecemos en una única dimensión humana de explotación. Me apasiona la fotografía y de allí ha derivado mi trabajo  al producir  piezas de papel a modo de esculturas, un refugio a la destrucción del ambiente. 

Ver su perfíl AQUÍ en la Galería de Artistas de la Fundación BAT

Maestro en música con énfasis en músicas populares y tiple de la Universidad Autónoma de Bucaramanga, Actualmente trabaja como arreglista de la orquesta de cuerdas pulsadas de Santander y docente de la Escuela Municipal de artes de Bucaramanga EMA y de la Universidad Pontificia Bolivariana UPB.
Ha realizado presentaciones en el XI Encuentro Nacional del Tiple, Cortiple, realizado en Envigado, Antioquia, Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo en Bogotá, en el Auditorio Luis A. Calvo en la ciudad de Bucaramanga, Teatro Tolima, en el Teatro Colón en la ciudad de Bogotá, sala de conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango de Bogotá, en el Instituto Cervantes de la ciudad de Sao Paulo en Brasil y en el Festival Internacional de músicas folclóricas en Cosquín, Argentina y con diferentes agrupaciones en el Festivalito Ruitoqueño.

-Mejor tiplista del Festival Hermanos Martínez, Floridablanca, Santander, 2006 y 2007 y 2018. -Mejor tiplista del Festival Hermanos Moncada, Armenia. 2007. 

-Mejor tiplista del Encuentro Nacional de Jóvenes Intérpretes, Bucaramanga.2007.


-Mejor tiplista del Festival Nacional Hatoviejo Cotrafa, Bello, Antioquia.2007 y 2017.

-Mejor tiplista del Concurso “Antioquia le Canta a Colombia”, Santa Fe de Antioquia. 2009. 

-Premio Pacho Benavides al mejor tiplista en el Festival Mono Núñez. 2013.


-Premio al mejor tiplista en el Festival Hatoviejo Cotrafa, Bello, Antioquia,2017


-Primer puesto modalidad vocal Festival Hermanos Moncada, Armenia, 2007.
-Primer puesto en el Festival de Duetos Hermanos Martínez, Floridablanca, Santander, 2007. 

-Primer puesto en el Concurso Pachito Adarme, San José de Miranda, Santander, 2007.


-Primer puesto con obra inédita y segundo puesto en la modalidad vocal en el Concurso Hatoviejo Cotrafa,

-Bello, Antioquia, 2007. -Primer puesto en la modalidad vocal en el Festival Mangostino de Oro, Mariquita, Tolima, 2008.


-Segundo puesto a mejor dueto vocal en el Concurso de Duetos Príncipes de la Canción, Ibagué, 2009.


-Primer puesto a la mejor versión de la obra “Parcelita blanca”, Concurso José A. Morales, Socorro, 2009.


-Invitado por la Corporación Nacional CORTIPLE al Festival del Tiple, Envigado, Antioquia. 2007.


-Invitado por la Fundación Musical de Colombia al concierto “Día de la Música”, Teatro Colón, Bogotá.2007.


-Participación en el Festival Mono Núñez, Ginebra, Valle.2008
-Participación en el Festival Luis A. Calvo, Bucaramanga.2008.


-Participación Semana Cultural, Mogotes, Santander. 2009.


-Primer puesto y Gran Premio Ciudad de Cajicá, Festival de Duetos Ciudad de Cajicá, 2009


-Primer Puesto en el XXIV Festival de Duetos Príncipes de la Canción, Ibagué, 2010.
-Gran Premio Mono Núñez Vocal, con e Dueto Trapiche Molé. Ginebra, Valle, 2010


-Gran Premio Mono Núñez Instrumental con el Trío Macaregua. Ginebra, Valle, 2013 

-Premio Pacho Benavides al mejor tiplista en el Festival Mono Núñez, Ginebra Valle, 2013.


-Primer puesto Concurso de Interpretación Anselmo Durán Plazas, Neiva, Huila, 2014.


-Primer puesto modalidad instrumental y Mejor tiplista, Festival Hatoviejo Cotrafa, con el Trío Instrumental Macaregua. Bello, Antioquia, 2017 

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Este artista nos cuenta que desde niño supo de su talento para el arte, y le dio curiosidad por conocer las técnicas del dibujo, el color y los textiles. Las manifestaciones artísticas han sido desde siempre una constante en mi vida, a temprana edad comencé a explorar las distintas técnicas pictóricas, más adelante perfeccioné este oficio, pintando en diferentes talleres de artistas y tomando cursos en varias instituciones, sin embargo, lo que más me ha llevado a encontrar el lenguaje que me identifica en el oficio, es la indagación personal.  Como conclusión soy un artista empírico. Un acontecimiento que marcó el panorama para encontrar un fundamento en mi lenguaje pictórico fue el poder admirar un arco iris doble que contemplé en los llanos orientales colombianos, esto fue la iluminación para abrir una investigación sobre técnicas no convencionales, cuya objetividad es la descomposición de la obra en planos translúcidos, logrando resultados impensables. Vidrio, madera acrílica, metal, cualquier material sirve como pretexto para aplicarlo a este procedimiento, el que he estado explorando con más insistencia, es la rama del diseño textil, los hilos, en donde la urdimbre la utilizo como soporte para crear diferentes capas y voy plasmando las ideas con tramas ópticas, ejecutadas con pegotes de pintura.  Hacia un futuro, el proyecto es seguir esta inagotable exploración y compartir los conocimientos.  En cuanto a la obra Desplazados 2, ganadora de uno de los primeros premios del V Salón BAT de arte popular, parte según el artista de que en Colombia todos somos desplazados de una u otra forma, por eso decidió jugar con el tiempo y reflejar esa realidad en una obra en blanco y negro para hacerla más dramática. Toma fotografías de las escenas que quiere plasmar en su obra, visualiza planos, pinta sobre urdimbre y logra una perspectiva gracias a la distancia entre los hilos, sin necesidad de hacerle variaciones al color. El amarillo, en la obra, que le da luz, refleja la esperanza que no se debe perder.

 Nació el 5 de Junio de 1910 en la Uvita. Se destacó como un excelente compositor, arreglista, intérprete, experto en instrumentación y director de orquesta; autor de una extensa y diversa obra musical de gran calidad técnica y estética que representa un invaluable legado artístico y constituye un auténtico patrimonio cultural. En 1932 se casó con doña Aura María Arenas Pérez, ella oriunda de Boavita, con quien formó una familia de nueve hijos.

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 Daniel Carvajal Cadavid, participante recurrente del Salón BAT de Arte Popular y ganador del primer premio en la tercera versión, se ha dedicado a lo largo de su vida a explorar materiales y a crear sus obras teniendo como referente la iconografía religiosa. Para la elaboración de las piezas que se presentan en esta exposición, el artista utiliza material reciclable y la técnica del collage combinada con elementos propios de la costura, como los canutillos, las lentejuelas, las mostacillas y las perlas. Asimismo, les da un toque diferente y llamativo a sus creaciones con pequeños objetos de madera y vidrio. Para la intervención de imágenes religiosas con los materiales de bisutería, el artista dedica muchas horas de trabajo, ya que cada elemento se pega a mano, como si estuviera bordando un traje de alta costura. 

 Nacida en Bogotá. Profesional de diseño industrial y especialista en diseño y desarrollo de producto de la Universidad Nacional. Como profesional se ha desempeñado en el desarrollo de productos y el diseño de espacios y escenarios. El Museo de Bogotá fue su última vinculación como empleada, elaborando el diseño museográfico de las exposiciones programadas. Actualmente se dedica a la ilustración. Elabora ilustraciones de libros para niños, ilustraciones técnicas, dibujo anatómico, storyboards, entre otros. Su familia cuenta con dos artistas que se han desempeñado tiempo completo como pintores; este, desde niña ha sido su sueño, su afición y su pasión. Ha trabajado empíricamente con el óleo, el acrílico, el lienzo y la madera. El colegio, la universidad y su trabajo profesional lo ha combinado con la pintura.

 Diana Zoraida Hincapié, artista plástica, empírica y autodidacta; radicada en la ciudad de Villavicencio, Meta, pero nacida en el Tolima donde descubrió su pasión por los temas folclóricos como expresión cultural arraigada en las costumbres de un grupo sociocultural y lo ha abordado como si fuese un ADN cultural que genera identidad única y diferenciada; otros temas tratados por la artista son el impacto de las emociones en el individuo. En su quehacer artístico maneja diferentes técnicas de pintura y escultura; la técnica pictórica de preferencia es el óleo sobre lienzo, buscando llevar la pintura a otras instancias diferentes del bastidor, descubriendo una técnica que ella denomina ensambles tridimensionales de óleo sobre lienzo. 

 Artista empírico de Duitama, Boyacá. Creció entre las montañas y el río en Tocogua una vereda donde la tradición y el proceso de moldear la arcilla se encuentran. Según el artista –“la greda llegó a mí como herencia de una familia de artistas, mis obras parten de la intuición y de la investigación”-. El artista ha participado en varias versiones del Salón BAT de Arte Popular y fue uno de los ganadores de la convocatoria Arte vs Covid 19 realizada por la Fundación BAT.

 Importante músico fusagasugueño nacido el 15 de septiembre de 1891, quien con Milcíades Garavito partió la historia de la música colombiana en dos, al introducir y difundir con su orquesta la Rumba Criolla, una especia de bambuco fiestero, ritmo que dominó en la década de los cuarentas las preferencias de baile en Colombia, reemplazando a los valses, danzas y pasillos que eran los ritmos dominantes de la época para bailar.

 Escuela de Danzas Folclóricas Ciudad Musical

Director: Alirio Delgado Medina.

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El Maestro Francisco Cristancho Camargo, nació en Iza, el 27 de septiembre de 1905. Desde muy niño demostró sus inclinaciones musicales, a los ocho años tocaba instrumentos de cuerda y a los 10 musicalizó su primer poema. La historia contada por Leonor Martínez Echeverri, en su libro “Francisco Cristancho Camargo”, con ocasión de los cien años del natalicio, describe a un niño que llega a Tunja apenas de ocho años, y un año después siendo ya un músico reconocido en la ciudad, ingresa a la Banda de Música de Boyacá como platillero, alternando sus estudios en la Escuela Normal de Tunja y posteriormente en el Colegio de Boyacá, donde se graduó como bachiller en 1920.

En 1922 se traslada a Bogotá donde combina su participación en la “Banda del Regimiento de Caballería Montada” con los estudios musicales en el Conservatorio Nacional que dirigía en ese entonces, el maestro Guillermo Uribe Holguín, adelantando cursos avanzados de teoría, armonía y trombón, este último el instrumento principal en toda su historia musical. 

El Maestro Francisco Cristancho, fue además de virtuoso ejecutante de diversos instrumentos, excelente y prolífero compositor, entre sus obras se destacan: Los bambucos: “Bochica”, “Bachué”, “Pa  qué me miró”, “Bacatá”, “Tequendama”, “El Dorado”, “Tisquesusa”, “Miniatura”, “Guatavita”, “Chatica”, “Tocaimuno”, “Coloso”, “Charuto”, “Chicote”, “Festival chibcha”, “Lunares”, “Monserrate”; Los pasillos: “Retoños”, “Chía”, “Don cavaquiño”, “Iza”, “El mochilas”, “Para recordar”, “Tan matando un perro”; La Danza: “Santafereña”, “Panoramas”, “Ta’ juertón”; Los torbellinos: “Ende que se jue con otro”, “Torbellino de mi tierra”, y “Que yo te digo que sí”. Muy especialmente cabe destacar que en el año 1939, con motivo del Cuarto Centenario de la Fundación de Tunja, se aprobó el Himno de la Ciudad Capital, con letra del escritor tunjano Alfredo Gómez Jaime y música del compositor Francisco Cristancho Camargo.

Francisco Cristancho Camargo, murió en Bogotá el 9 de febrero de 1977, causando un profundo duelo nacional y recibiendo el homenaje póstumo del Gobierno Nacional que expidió Decreto de Honores a la memoria del ilustre músico colombiano, firmado por el entonces Presidente Alfonso López Michelsen.

 La obra recalca la diferencia en el imaginario colectivo de la papa en el campo y en la ciudad. Giovanny, con 34 años, se interesó desde su infancia en Duitama por las expresiones artísticas y empezó a entender los detalles del arte, que lo motivaron a seguir en esa búsqueda. Ya en El Cocuy, otro municipio de Boyacá y donde vive en la actualidad, se inclinó por las artes plásticas y visuales, siguiendo a artistas que expresaban en su obra una crítica social o que se enfocaban en temáticas que se pueden interpretar mejor por medio de imágenes. En la obra con la que se presentó a la convocatoria, hace una crítica social al imaginario colectivo urbano, a aquellas personas que no han tenido contacto con el campo y que muchas veces concluyen en el menosprecio hacia la gente de la ruralidad, muy posiblemente por el desconocimiento de las dinámicas económicas y sociales del campo. Además, en la obra de Giovanny Pinto se hace énfasis en que no todo necesariamente debe ser procesado, y en que los productos del campo son insuperables. Según el artista, -“… el Salón BAT de Arte Popular es un referente muy importante para el artista empírico, como una vitrina para las artes plásticas, y constituye un privilegio para los amantes del arte. El Salón me motiva a dar a conocer mi trabajo artístico, a realizar un aporte a la plástica nacional desde mi saber cómo artista empírico”-

Creado hace 20 años en Sevilla, Valle. Ganador de concursos a nivel nacional, entre ellos el Mono Núñez. Ha participado en innumerables festivales populares en todo el territorio nacional. Ha realizado giras internacionales por Ecuador, Venezuela, Perú, México, EE.UU, España y Suiza. Es gestor del Festival Bandola de Sevilla.

Creado el 12 de Marzo de 1996 por un grupo de jóvenes quienes interesados por rescatar los valores culturales de nuestra región conforman esta agrupación destacando y difundiendo cultura por diferentes partes de nuestro maravilloso país. Blanco y Negro tras su larga trayectoria acompaña a las Danzas Folclóricas de Armero dirigidas por el maestro Gildardo Aguirre realizando la completa recopilación coreo musical dejada por Inés Rojas Luna y Misael Devia, sin dejar a un lado su labor creativa en la elaboración de nuevos proyectos coreo musicales para tener en vigencia los aires populares de la región tolimense. Hoy en día Blanco y Negro ha obtenido reconocimiento a nivel nacional e internacional debido a sus diferentes actuaciones en formatos tales como conciertos didácticos, hasta conciertos de gala en festivales colombianos y del extranjero. La visión de los nuevos integrantes que siguen en este proceso de 18 años es dejar un legado para las nuevas generaciones de jóvenes creando proyectos de formación e investigación donde la comunidad sea la más favorecida pues es a ella a quien va dirigida el trabajo cultural de la agrupación, cumpliendo a cabalidad con el objetivo de este colectivo por todos los rincones de nuestra región.

 Este grupo está integrado por 12 miembros de la comunidad Tule de Caimán Nuevo, municipio de Necoclí, perteneciente a los indígenas Cunas, dedicado a recuperar y difundir la música y bailes de su comunidad. Entre su repertorio cuenta con el rito iniciático del Innatummat, el cual es realizado para las adolescentes cuando entran a la edad para otorgarles libertad, esto es ya la niña puede opinar, interactuar decisivamente con su comunidad y tener relaciones sexuales. El grupo tiene como director natural al Sakla, máxima autoridad de la comunidad.

 Creado en el año de 1998 como grupo universitario Cesmag, bajo la dirección del Mg. Oswaldo Villota Rosero. Se caracteriza por su trabajo a partir de juegos tradicionales y de teatro experimental, desarrolla investigación etno-literaria y antropológica en localidades rurales del municipio de Pasto, los montajes mas importantes son: “Cornudo apaleado y contento . “Diatriba de amor . “Narraciones orales . “Proceso de Juana de Arco”. En la actualidad presenta: Sancho Panza en la Insula de Barataria y Caligula . Participaciones: Encuentro Nacional de Teatro Suroccidente Colombiano. Muestra regionales de la Casa de la Juventud municipio de Pasto. Fiestas patronales en Putumayo, Encuentro Juvenil de Teatro, Olimpiadas Teatrales Universidad de Nariño.

Nace En agosto de 1989 en la ciudad de Pasto, con un alínea de trabajo en música y danza regional, nacional y latinoamericana. Su Director Cristian Javier Montezuma Mora. Sus principales participaciones son: V Festival Latinoamericano de Música y Danzas folclórica en Piura- Perú, IV Festival Latinoamericano de Música y Danza en Guayaquil- Ecuador, Gran Encuentro de la Cultura Colombiana CREA. Santafe de Bogotá, XXXIX Festival Nacional del Bambuco Neiva, III Festival Nacional Aires Colombianos Pereira. Festival Internacional de Danza Cesmag-Pasto.

 Es uno de los grupos de música tradicional colombiana de mayor proyección y aceptación entre los conocedores de la nueva música colombiana e igualmente, han obtenido una gran aceptación en escenarios internacionales como lo fue el Festival Internacional de música "Southwest" en Austin, Texas. De tal forma, para los colegios es muy importante contar con la posibilidad de llevar a sus alumnos a este concierto, que por su altísimo nivel musical, es un elemento clave como parte de su labor pedagógica.

Héctor Cruz Blanco, nacido en Santander en el año 1955. A sus 8 años inicia como aprendiz en el taller de su padre Luis Ernesto Cruz quien fue su maestro. Construye su primer instrumento musical, una guitarra, para un concurso de artes en la escuela donde estudiaba, el que no le fue aceptado por tan avanzado proyecto. A la edad de 14 años inicio a trabajar como independiente y a crear su propia empresa, como en aquella época en Colombia no existía la luthería como carrera profesional, él se dedicó a hacer sus propias investigaciones. Para 1980 se contactó con diferentes luthiers a nivel mundial, a fin de ampliar sus conocimientos e investigaciones. Animado y entusiasta conformo su equipo de investigación con el médico y gran matemático Doctor Gillermo Nossa, con quien adquirieron libros de lutieres alemanes, españoles y estadounidenses, estudiaron la información y sacaron sus propias conclusiones. Hace 60 años el Luthier Luis Ernesto Cruz, su padre, producía instrumentos de doble caja, ahora comúnmente llamados “de cámara” por la implementación de la técnica, de ahí su preferencia por el desarrollo de este tipo de instrumentos. Con estas enseñanzas, la investigación, y la experiencia, los instrumentos de Héctor Cruz han sido galardonados en dos ocasiones con el primer puesto en el concurso nacional de fabricantes de tiple de concierto, en el que participan todos los luthiers de Colombia, quien refiere orgullosamente “como luthier es mi máxima expresión”. Actualmente el nombre Héctor Cruz es reconocido a nivel nacional e internacional por la calidad y variedad en sus instrumentos musicales de cuerda. 

Colectivo cultural que aglomera casi un millar de personas dedicadas a difundir el arte folclórico. Inicia su proceso de constitución en 1994, como una agrupación de músicos de tradición andina y latinoamericana, sumándose en 1996 el componente de la danza folclórica. Participa en 1997 en la inauguración de los Juegos Deportivos Departamentales, en 1998 representa al departamento en el Festival de la Fruta en el Ecuador, En la Feria Internacional de Cali, en la Feria de las Flores de Medellín, en el 2000 en la Inauguración de los XVI Juegos Deportivos Nacionales, en 2001 inicia sus presentaciones con la participación en ciudades del Ecuador. Como gran comparsa del carnaval ha sido declarada fuera de concurso.

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 Isabel Crooke, residente en Barichara, Santander. Se ha dedicado a la investigación antropológica sobre todo entre las comunidades Murui-Muinane (Huitotos) del bajo Putumayo y también con grupos indígenas y campesinos del Cauca, la Sierra Nevada, Boyacá y Cundinamarca. Su obra se relaciona con los mitos de la naturaleza y escenas de las comunidades indígenas. Ha participado en varias versiones del salón BAT de arte popular, recibiendo  menciones honorificas.

"Soy médica y antropóloga. He tenido mucho contacto con comunidades indígenas  y me ha causado gran dolor ver como los Embera, entre muchas otras comunidades indígenas, se han encontrado forzados a dejar sus tierras ancestrales y migrar a las ciudades en busca de trabajo."

Bandolista, mandolinista, docente y arreglista. Obtiene su título de Maestro en Artes Musicales con énfasis en interpretación (bandola andina colombiana) en la Facultad de artes ASAB Universidad Distrital Francisco José de Caldas, donde realizó sus estudios del instrumento con Jenny Marcela Alba y Manuel Bernal Martínez. Ha pertenecido a diferentes agrupaciones reconocidas dentro de la escena musical bogotana y nacional como el Trío Común Tres, La Séptima, Orquesta Colombiana de Bandolas, Estudiantina Bogotá, Cuarteto León Cardona, Septeto Colombiano, INGUNA, Cuarteto de Bandolas B-Qu4atro y Terranova Ensamble.  Ha participado en talleres de plectro con los maestros Hamilton de Holanda (Brasil), Ricardo Sandoval (Venezuela), Jorge casanova y Manuel Granados (España) y Fabián Forero (Colombia). Invitado como mandolinista al concierto monográfico del maestro Germán Darío Pérez, realizado en enero de 2013. Mandolinista supernumerario de la Orquesta Sinfónica Nacional en el Montaje Romero y Julieta, del compositor Sergueí Prokófiev.  Ha realizado giras por varios países, entre ellos Perú, Venezuela y Argentina. Además, dirige la Cátedra de Músicas Colombianas en la Escuela de Música de la Universidad Sergio Arboleda y es coordinador de músicas colombianas en la misma. Realizó sus estudios de maestría con el maestro Fabián Forero en la Pontificia Universidad Javeriana. 

 Pintar la naturaleza e inspirarse en ella ha sido su desafío. Un tema quizás pasado de moda para muchos, pero para John es una pasión, de la que quiere apropiarse para volverla pictórica; en sus obras resalta el respeto a la tierra, a sus frutos, la representación de la belleza natural y a su vez quiere transmitir de conciencia para la conservación y protección de la vida.

 Nació en Sogamoso el 12 de Junio de 1912 en el seno de una familia de músicos. Su padre Jorge Camargo Angulo, fue un gran músico, y su madre, Antonieta Spolidore, fue gran pianista y violinista, además es la autora y compositora del bambuco “Los Promeseritos” grabado por el sello “Víctor”, con quien el Maestro Jorge Camargo Spolidore inició sus estudios musicales; fue uno de los nueve hermanos, que recibieron en edad temprana educación musical bajo la dirección de su madre. Por otra parte la herencia musical también viene de su abuelo, Rafael Spolidore, quien interpretaba el violín; su hermana Mercedes, se destacó como una gran soprano y violinista en importantes orquestas.

Jorge Velosa (n. 1949) es un médico veterinario y cantautor colombiano nacido en el municipio de Ráquira (Boyacá) que adquirió fama por ser el co-iniciador del género musical conocido como carranga.

El Maestro José J. Dueñas Ramírez, nació en Guayatá en 1903 y murió en Bogotá en el año 1985. Hijo y nieto de músicos, aprendió desde niño las bases del arte musical de su padre Abraham y de su hermano Rafael. Integrante de la banda del pueblo “La Lira de Oriente” como clarinetista, avanzó en su formación en la Banda del Regimiento Bolívar en Tunja y luego en la Banda Nacional de Música en Bogotá, en plaza que alcanzó por concurso.  En la capital se matriculó en el Conservatorio Nacional, donde fue alumno de composición de Guillermo Uribe Holguín, quien contribuyó significativamente a su formación como músico integral, sin menoscabo de otros compositores de primera línea como Andrés Martínez Montoya y Luis A. Calvo que fueron también sus amigos y mentores. También se formó, bajo la dirección de Gregorio Silva como violonchelista, habiendo sido luego integrante de la Orquesta del Conservatorio y de la Orquesta Sinfónica Nacional; en 1946 fue Director Musical del Conservatorio del Tolima en Ibagué.

De regreso en Bogotá se reintegró a la Orquesta Sinfónica Nacional en plaza que conservó hasta que la Orquesta fue disuelta y a partir de entonces continuó desarrollando sus dotes en la composición de pequeñas obras religiosas y profanas; colaboró en la construcción de arreglos para coros y para estudiantina de obras de compositores colombianos, los cuales tuvieron, como sus propias obras, el particular sello de conjunción de ritmos andinos con el impresionismo en que fue formado.

Joven artista del municipio de Susacon, Boyaca. Su mamá es del municipio de Susacon y su padre de la ciudad de Ibague Tolima. Desde muy niño le ha gustado el dibujo y la pintura, también le gusta enseñar a los jóvenes la importancia de involucrar el arte en sus vidas ya que cada pincelada que realiza en sus obras muestran el trabajo, la dedicación por el arte y con esto, poder ayudar a su mamá con las obligaciones de la casa ya que es madre soltera y cabeza de hogar,

 Nacido en Sogamoso, Juan Carlos “Tusho” Medina ha hecho de su vida la música. Acompañado de su guitarra y su ritmo balada pop, género al que le ha dedicado más de 20 años de vida, ‘Tusho’ Medina ha participado en un gran número de eventos a nivel nacional, convirtiendose en uno de los cantautores boyacenses más destacados de la actualidad. 

 Juan Ibarra nació en zona rural del municipio de Rionegro, Santander, sus primeros años los paso en la Hacienda Berlín, conoció a Mariela Ojeda hoy su esposa con quien tiene 7 hijos de los cuales 4 integran el grupo Juan Ibarra y Los Chucureños.
 A los 15 años aprendió a tocar tiple junto a sus hermanos mayores, con los que participaba en fiestas y parrandas al poco tiempo aprendió a tocar guitarra y empezó a componer canciones, en 1965 se radica en San Vicente de Chucurí en la vereda La Colorada y en 1966 forma el grupo “Los Chucureños” en compañía de sus hermanos. Se da a conocer musicalmente al participar en la primera Fiesta del campesino celebrado en San Vicente de Chucurí en la que participa y ocupa el primer lugar; siguió participando en varios concursos a nivel local en los que fue ganador por lo cual hizo méritos para ser invitado en 1972 a participar a nivel departamental en Bucaramanga en los 350 años de fundación a la cual le hizo una canción con la que obtuvo el primer lugar; este evento fue realizado en el estadio Alfonso López y el premio lo recibió de manos del presidente Misael Pastrana Borrero con el cual Juan Ibarra salió por varios diarios nacionales saludando al primer mandatario. Suma varios primeros puestos a nivel departamental y un segundo puesto a nivel nacional en Sevilla Valle en un concurso de música Guascarrilera en 1990.  Actualmente vive en su finca en La vereda Llana Fría a 30 Km del casco urbano a donde llegan numerosas visitas, por ejemplo: programas culturales del canal comunitario del municipio Asogalaxia en varias ocasiones, la más reciente fue en el 2016.
En el 2003 el equipo de Extensión cultural de la UNAB, en 1994 la secretaria de cultura de Bucaramanga fue a visitarlo para conocer aún más la vida de este artista al grabar el video “La vida va pa’ San Vicente”. En este mismo año recibió al equipo del programa “Las aventuras del profesor Yarumo”. Estas visitas son para documentales sobre su vida y su música pero hay quienes lo visitan para conocer o saber cómo vive este músico campesino, que es invitado con frecuencia a los mejores festivales a nivel nacional y que incluso con su música ha ido al extranjero, por ejemplo los docentes de la región organizan con sus estudiantes paseos hasta su casa para escuchar sus anécdotas, sus historias y por supuesto oír sus canciones y allí disfrutar y compartir de sus labores diarias y maravillarse con los paisajes que se divisan desde el mirador natural que hay en su finca.  Su inspiración para hacer sus letras a las cuales le pone la música es algo natural, es un músico empírico y este saber se ha trasmitido de forma directa a sus hijos. Solo se ha vinculado con la academia cuando en el 2003 la extensión cultural y la Facultad de Música de la Universidad Autónoma de Bucaramanga UNAB lo buscaron para que hiciera parte de un proyecto de investigación cultural ancestral en el libro LOS OLVIDADOS escrito por Juan Gonzalo Betancourt y fotografías del Español Kin Manresa; para culminar este proyecto y como premio para Juan Ibarra, la UNAB le grabo el disco “La siembra del agua” con 16 cortes musicales, además en unos de sus tema se fusiono la música tradicional con la de la academia, estudiantes de la facultad de música de la UNAB hicieron su parte: guitarra eléctrica, bajo, trompeta timbales y piano, la base musical autóctona de guitarra, caja, cencerro, guacharaca y las voz obviamente de Juan Ibarra.  Como reconocimiento por toda su entrega, su labor y por dejar en alto el folclor y la cultura de San Vicente de Chucurí, la alcaldía municipal crea con su nombre, las Escuelas de Formación Cultural y Artística Juan Ibarra, por Acuerdo Municipal N° 019 de 2004. Nota del editor: en el Festivalito Ruitoqueño hemos tenido la grata visita del maestro Juan y Los Chucureños, dejando siempre una huella imborrable por su enorme talento y su don de gentes. 

Actualmente está dedicado a la composición e interpretación del bajo eléctrico y el piano principalmente, como docente está enfocado en la enseñanza de la música colombiana y las músicas modernas. Tiene alrededor de 40 composiciones de las cuales 25 han sido grabadas. 

Investigador de la cultura e historia de Riosucio y director de las Danzas del Ingrumá a lo largo de treinta y cuatro años; se formó en Bogotá con los maestros de la danza Delia Zapata Olivella y Jaime Manzur; en muchas ocasiones ha hecho parte de la junta del Carnaval y en la actualidad es Director de la Oficina de Extensión Cultural del Municipio de Riosucio.

Participante en los actos protagónicos del Carnaval de Riosucio. Su vivencia, estudio y actuación protagónica en el Carnaval de Riosucio ha abarcado su vida entera. Integrante de juntas directivas de dicha celebración, 1966-2009. Alcalde del Carnaval de Riosucio, jerarquía sobre la cual recae la máxima responsabilidad de la autenticidad tradicional, en 1989, 1999, 2001 y 2009. En 1976 su visión estructural de la celebración permitió encausarla hacia procesos que pudieran permitir su supervivencia. Ha determinado el origen, características y evolución de la fiesta, así como los fenómenos que la conducen a su desintegración. 

Fundador del grupo folclórico Danzas del Ingrumá el 15 de Diciembre de 1968 y Director desde entonces. Sus presentaciones han incluido Bogotá, Medellín, Cali, Barranquilla, Tunja, Ibagué, Bucaramanga, Armenia, Pereira, Manizales, Buenaventura, los cuatro resguardos indígenas de Riosucio, Estocolmo y París con ocasión de la Entrega del Premio Nobel de Literatura a Gabriel García Márquez en 1982, Caracas para la Feria de esa ciudad y la celebración del 20 de Julio en 1985, y Nueva York en representación de Colombia el Día de la Hispanidad en desfile por la Quinta Avenida en 1996.

Investigador de la historia de Riosucio.

Investigador del folclor en diversas regiones de Colombia con énfasis en el Eje Cafetero, especialmente en los municipios de Riosucio y Supía, desde 1966, con recuperación de danzas, tonadas, trajes, instrumentos, canciones y muchos elementos más de las culturas regionales, no sólo para montajes con las Danzas del Ingrumá, sino para las comunidades mismas. Se trata de expresiones culturales hasta entonces totalmente desconocidas. Su trabajo en sectores urbanos y rurales, campesinos e indígenas, ha generado procesos comunitarios que han dado origen a grupos de recuperación musical y coreográfica. 

Su investigación y proyección del folclor se ha fundamentado en metodología desarrollada por él de manera específica para la Zona Andina Colombiana.

Es sin duda alguna el más auténtico grupo musical de la zona urbana de Riosucio pues representa la vigencia de una tradición de bandas que han fluctuado entre el empirismo y el academicismo desde el Siglo XIX. A partir de 1910, las bandas que se han sucedido unas a otras en el pueblo de Riosucio son propiamente una sola que ha perdido y recuperado sucesivamente su carácter oficial, de modo que estamos frente a la agrupación que durante más de 90 años ha expresado con calidez el sentir carnavalero riosuceño.

El repertorio, el estilo, el espíritu de esta típica banda de pueblo andino colombiano, se perpetúa hoy en una familia de músicos, la de los Maflas, cuyo más destacado exponente es el maestro Arturo Mafla Taborda, director y gran carnavalero con la apreciable trayectoria de 54 años en varias de las bandas que dieron origen a la actual.

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 En diciembre de 1996 un grupo de jóvenes amigos miembros del taller de Opera de Bellas Artes (Universidad de Caldas), fieles amantes de la música se reunieran a crear una nueva propuesta coral. Su trabajo busca el desarrollo de la comunicación y la sensibilidad alrededor de la música en concentrada interacción. Por esto la preparación de cada obra es constituida gracias al aporte de cada uno de los integrantes del octeto. Ha participado en varios festivales, entre los más destacados se encuentran: XXVII Festival Mono Núñez en representación del departamento de Caldas en donde fue finalista y nominado al gran premio Mono Núñez en la categoría vocal, Ganadores en el 11° Festival del Pasillo realizado entre el 17 y el 20 de agosto de 2001 en Aguadas, Caldas, en la modalidad de conjunto mixto vocal. Este año fueron invitados al V Festival Vinicio Adamés realizado en Barquisimeto- Venezuela.

 Nació el 24 de diciembre de 1929 en Neiva, Huila. Su infancia transcurre conociendo las diferentes poblaciones de los departamentos de Caquetá, Huila y Putumayo. En su adolescencia se alista en la marina, donde permanece durante cuatro años, tiempo en el cual tiene la oportunidad de conocer diferentes lugares alrededor del mundo y da sus primeros pasos en la música, conformando su primer grupo musical con algunos de sus compañeros.

En 1961 contrajo matrimonio con María Teresa Huertas, hogar del cual sobreviven cuatro hijos: Claudia Patricia, Gustavo Adolfo, Luis Angel y César Augusto.  Durante estos años empieza su carrera musical a nivel profesional, llevando al acetato su primer larga duración titulado “Camino amargo”, en donde interpreta temas de grandes y reconocidos compositores colombianos como Jorge Villamil y Alvaro Dalmar, entre otros. De igual forma obtiene logros importantes a nivel nacional, como el segundo lugar alcanzado en el Festival de la Canción en Villavicencio, en 1968.

Hacia el año de 1971 decide establecerse con su familia en Florencia, en donde desarrolla su más maravillosa y sentida inspiración musical, dedicada exclusivamente a exaltar la belleza de la mujer caqueteña, así como los incomparables paisajes del departamento. Es aquí donde compone la mayoría de las letras de su innumerable obra musical, de la cual tan solo logra plasmar algunas de ellas en sus trabajos discográficos.Para el año de 1976 graba el Himno a Florencia, de autoría del maestro Luis Alberto Osorio, en donde se destaca como la voz principal y en la que incluye una de sus composiciones titulada “Florencia”. En esta misma época forma parte del ballet de Sonia Osorio, destacándose en la parte musical.  Posteriormente lidera y promueve la departamentalización de la intendencia; y graba su segundo larga duración, esta vez dedicado completamente a su tierra adoptiva: Caquetá.

En esta obra se destacan temas como “Caquetá departamento”, “Tierra prometida”, “Caqueteñita preciosa”, “Mi añoranza”, “San Vicente del Caguán”, “Recorriendo el Caquetá” y “Rinconcito de selva”, tema que le da el título a este trabajo discográfico, obteniendo gran éxito y reconocimiento a nivel nacional.

Fue director del Instituto de Cultura y Turismo de Caquetá por varios años, donde desempeñó una brillante labor. Paralelo a su desempeño como director del Instituto de Cultura se destaca como comandante del Cuerpo de Bomberos Voluntarios de Florencia y como miembro activo de la Defensa Civil, en donde recibe el reconocimiento de la sociedad caqueteña por su magnífica gestión al servicio del interés cívico y comunitario de su pueblo.Para el año de 1985 graba la que fuera su última producción musical titulad

“Luis ángel Nieto canta a la paz”, en donde plasma el dolor de un pueblo que sufre al estar viviendo una situación de guerra y expresa a través de sus composiciones el mayor y más grande anhelo de todos nosotros los colombianos: la Paz.

En este larga duración incluye temas como: “A Colombia por la paz”, “Anhelos de paz”, y algunos dedicados a diferentes rincones de nuestro país: “Popayán de mis amores”, “Putumayo querido”, “Leticia”, “Mi querida tierra opita”, “Caquetá primoroso” y un tema dedicado especialmente a su esposa, el cual lleva por título “Bogotanita querida”.Decide comenzar su gira en la ciudad de Leticia, el 19 de julio de 1985. Gira de la cual esperaba salir airoso y continuar la promoción por diferentes lugares del país. Es allí, donde tal como lo dejo plasmado en una de sus composiciones y en la inmensidad de la verde selva ese 24 de julio de 1985, Luis Ángel deja de entonar esas maravillosas melodías que hacían vibrar hasta las más pequeñas fibras de nuestros corazones.

 Santanderiano, Nacido en Bucaramanga en el año 1977. Artista plástico y Escultor en la Hoja de la Mazorca. Utiliza como Materia prima, las fibras Naturales del Maíz, Realizando piezas Exclusivas y Originales, Representativas de Nuestras Regiones Colombianas. Desde muy Joven empieza en el Mundo del Arte Participado en las diferentes Exposiciones Regionales y Nacionales. Actualmente vive en Girón lugar inspirador por su riqueza Cultural y Colonial.

 Luis Fernando Jaramillo Gallego. Nació en Manizales el 30 de Abril de 1944. Pintor desde niño, a los 27 años asume totalmente el oficio de la pintura. Investigando los materiales del arte llega al dibujo y a la pintura. A los 50 años incorpora el reciclaje en su trabajo transformandolo en algo muy contemporáneo. Participante en los VI salones BAT de Arte Popular obteniendo mención de honor en el I Salón BAT. Su trabajo central ha sido siempre pintar su tierra, afiches y la feria de Manizales. Ha expuesto en varias ciudades de Colombia y en varias colecciones en el exterior.

Nació en Soatá el 29 de julio de 1908, en el hogar formado por Martín Mancipe Latorre y María de Jesús Briceño. Muy niño, a los 7 años, ingresó a la banda de música de Soatá, dirigida por su padre, quien fue su primer maestro. El Maestro Luis Martín Mancipe, residió en Santa Rosa de Viterbo, por mucho tiempo; allí formó su hogar con Rosa Delia Hernández Álvarez, de cuya unión matrimonial nacieron Doce hijos: Helena, Luis, Anita, Eduardo, Pilar, Jairo, Angelita, Toño, Hernando, Concha, José, y Ricardo.

El maestro Luis Martín Mancipe Briceño, adelantó estudios de bachillerato en el Colegio de Chiquinquirá con los padres dominicos, allí con Fray Angélico Grimaldos, mejoró sus conocimientos musicales, fundó la banda del santuario de la Reina de Colombia (Virgen de Chiquinquirá).

Es reconocido por haber fundado las bandas musicales de Jericó, Tasco, y Santa Rosa de Viterbo; y por haber sido director de banda en los municipios de Soatá, Chita, Chiscas, Boavita, La Uvita, Socha, Duitama, Tutasá, Capitanejo (Santander), y Chinavita, tal vez las más importantes para él. En estas ciudades se desempeñó como organista, director de orquestas y conjuntos, como la “Orquesta Melodía”, preferida en los bailes de fin de año y los grandes actos solemnes de Boyacá; así mismo se destacó como profesor de música y canto en escuelas y colegios. Interpretó el órgano electrónico en la parroquia de San Fernando Rey en la capital del país, y en su juventud manejó la mayor parte de los instrumentos de banda. Fueron sus instrumentos favoritos: el piano, el órgano y el inseparable acordeón.

Se destacó como arreglista, instrumentista y especialmente como compositor, su obra supera el millar. Entre las más importantes se destacan los Pasillos: “Mi porvenir”, su primera creación, “Atardecer”, “Leonor”, “Viterbo”, “Mi Chinavita”, “Escopeto”, “No te serenes”, “Jesusito”, “Zic Zac”, “Soñando en Paipa”, “Patico”, y “Recordar”. Los Bambucos: “Silvetti” (El boyacense), “Mi carcajada”, “Sotico” dedicado a Fernando Soto Aparicio, “Rondón y sus lanceros”. Los Valses: “Claveles rojos”, “Plegaria”, “Madrecita”, “María Lilia”. Las Guabinas: “Brisas del Chicamocha”, y “Dos almas”. Los joropos: “Tardes pamperas”, “Así soy yo”. Las danzas: “Anita”, “María Helena”, “La violetera”, “Concha Lucía”, y “María del Pilar”. Las Marchas: “Ciudad del Zaque”, “Leonor primera”, “Entrando a Lima”, “Coronel Rondón”, ”Holmes”, “Cachitas”, “Bélgica”, “Santa Cecilia”, “Mis pascuas”, “Esperanza”, “Juanita”, “Pereira”, “Nuevo Gobierno”, “El mono Daniel”, “Mañanita”, “Adelante”, “Día feliz”, “Micaele”. Las Marchas fúnebres: “Oración del huerto”, “El Gólgota”, “Triste agonía”, “Dolorosa”. Además de varias Gavotas, Rumbas, Tangos, la obertura “Augusta Holmes”, muchos himnos patrióticos, escolares y bastante música religiosa.

El Maestro Luis Martín Mancipe Briceño, murió en Bogotá, el 12 de enero de 1992.

 Compositor de más de 700 obras y nacido en Gachalá, Cundinamarca, en 1863, es considerado como quizás el más prolífico de los compositores cundinamarqueses. Padre de una familia de importantes músicos, entre los cuales se destacaron Milcíades y Alfonso Garavito Wheeler, se inició como director de la Banda de Honda en la cual tocaban cuatro de sus hijos. Esos mismos cuatro hermanos conformaron el “Cuarteto Garavito”, que posteriormente se convirtió en la famosa “Orquesta Garavito” que hizo sus presentaciones durante muchos años en Bogotá. El Maestro Milcíades Garavito Sierra murió en Bogotá en 1941.

Milciades Garavito Wheeler nació en Fresno (Tolima) el 25 de julio de 1901. A los 19 años fue nombrado Director de La Banda de La Palma, (Cundinamarca). La agrupación más buscada, contratada y apetecida por la ejecución brillante de los aires más alegres de la época, como el bambuco y e1 pasillo. En 1921 la familia Garavito, en cabeza de su padre,  se traslada a Honda con motivo de su nombramiento como Director de la Banda de esa municipalidad. En Honda conforman el Cuarteto de Los Garavito. Con el padre en el piano, Milciades en la flauta, Alfonso en el violín y Julio en el contrabajo al poco tiempo darían paso a la afamada, por ese entonces, Orquesta Garavito. Milciades Garavito Wheeler fue un compositor prolífico. Con la Mariquiteña acuñó el ritmo  la Rumba Criolla quien fue su inventor. Estando la Rumba Criolla en su máximo esplendor, en 1934 se trasladan a Bogotá. La Mariquiteña por un Acuerdo del concejo municipal de Mariquita —el 014 de 1997 de junio 16— le dieron estatus de himno. Respecto al origen de la Mariquiteña cada quien quiere dar su versión generando alguna confusión. Aunque sus críticos musicales no señalan las fuentes de dónde provienen sus afirmaciones, existe, eso sí, la versión de Henry Patiño Pulido mucho más creíble que lo que dicen sus biógrafos de tinta y papel. La Rumba Criolla la Mariquiteña tiene que ver con Demetrio Viana llamado algunas veces, a consecuencia de una inyección mal aplicada, “El Cojo” y en otras ocasiones “Chispa”, seguramente por su forma de ser y por tener una lengua versátil en apuntes y de buen humor. Tal fue la amistad de Demetrio con Milciades Garavito Wheeler  que en honor a ese afecto le compuso “Chispa”.

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Desde niña tuve una cercanía con la iconografía religiosa. El almacén Fantasía, ubicado en la plaza central del municipio de Sogamoso, Boyacá, era propiedad de una tía que tenía un nombre tan curioso y especial como su almacén:  Obdulia de la Concepción.  Yo, una niña bogotana, llegaba en vacaciones y me convertía en la vendedora de esas figuras dolientes que eran compradas por campesinos y campesinas que bajaban de sus veredas a la ciudad. En ese almacén habitaba todo tipo de imágenes, relicarios, medallas, cadenas, escapularios, velas, velones. Y nunca pensé que todo este mundo iba a calar de manera tan profunda en mi inconsciente.  Mi búsqueda estética en Bogotá comenzó a reencontrar toda esta iconografía religiosa de la región colombiana que simbolizaba el almacén Fantasía. José Gregorio Hernández habita algunas de mis obras, así como las vírgenes colombianas, las latinoamericanas y las de otras partes del mundo, los ángeles y arcángeles, las medallas, Cristos y crucifijos. Y también está presente, especialmente, el Divino Niño.   La imagen del Divino Niño del barrio 20 de Julio, en Bogotá, es frecuente encontrarla en las veredas más alejadas, en los cascos urbanos de los municipios, en las grandes ciudades y también en la pared principal de las salas de las casas familiares, en los cuadernos o en la estampa que se guarda en las billeteras. 
El Niño, quien tiene su santuario en este popular sector de la capital, es una figura icónica de la idiosincrasia colombiana y las oraciones a él son repetidas y recordadas por generaciones:  "Todo lo que quiera pedir pídelo por los méritos de mi infancia y nada te será negado”.   
En ocasiones su imagen se alumbra con velas, se rodea de flores y se adora.  Ante él se elevan las plegarias, así como los pedidos de auxilio para esta y la otra vida. Plegarias que se escuchan en nuestros pueblos, en las ciudades y la capital, en la intimidad de una habitación o en los lugares consagrados para el ejercicio del culto religioso. Fue la oración que tanto se escuchó en los momentos más agudos del conflicto armado, cuando desplazados, despojados, los sin tierra y los masacrados buscaron ayuda en el Divino Niño. 
Y es la misma plegaria, con ajustes, la que se escucha ahora ante la búsqueda de la paz: Divino Niño Jesús, si Colombia cien veces cae, cien veces levántala?. Los creyentes en esta pequeña figura encuentran grandes dosis de consuelo y esperanza y creen encontrar soluciones aplazando la lucha por una verdadera redención social y espiritual en este mundo. El Divino Niño y otras imágenes siempre han actuado como intermediarios entre la humanidad doliente y el Dios supremo, omnisciente y todo poderoso y, sobre todo, inmortal. Este pequeño niño se ha convertido en una imagen icónica de la cultura y la religiosidad popular que se ha ido metiendo en el mundo urbano, entre sus bullicios y su tecnología. A él suelen recurrir los creyentes y hasta los no creyentes para obtener favores, felicidad, equilibrio, soluciones para los problemas de la vida cotidiana y hasta para la sanación física y espiritual.  Por ello emprendí la labor de intervenir la silueta de la imagen del Divino Niño del 20 de Julio con diversos materiales, buscados en los campos y las ciudades, que dan cuenta de otros mundos:  uno, si se quiere, rural, esotérico y otro más, mundano, terrenal o urbano. En el mundo urbano, con la presencia de sombrillas, nubes, ojos, lágrimas, espejos, ladrillos. En el rural, con objetos que quieren acercarse a la ayuda divina:  las pequeñas botellas para llamar la suerte, la mano poderosa, los cuarzos, el palo santo, los dientes de animal para atrapar su fuerza, la madera, el maíz, la hoja de coca, la pluma de faisán, los colores, el brillo. En esta obra, los 27 Divinos Niños están unidos en una gran cofradía de salvadores para problemas muy terrenales y no tan fáciles de resolver. Salvadores que permitirán creer, quizá equivocadamente, que el planeta estará a salvo sin mucho esfuerzo, que sus habitantes podrán vivir en paz sin dar nada a cambio y que los pobres de la tierra podrán proseguir con sus plegarias y sus ensoñaciones sin superar primero esa Babel creciente que impide la comunicación y la reconciliación.

Nueva Cultura nació como grupo de músicas populares campesinas en 1976, en plena ciudad universitaria de Bogotá, cuando la universidad Nacional hervía en movimientos políticos de izquierda y éstos conspiraban en sigilo a favor de una huelga nacional contra el gobierno y una huelga petrolera de la unión sindical obrera. eran tiempos y lugares en que eso de dedicarse a cantar era visto como un autocultivo pequeñoburgués.Los diez muchachos fundado-res hicieron una opción entonces heterodoxa: dedicarse al trabajo cultural y artístico, como una postura política. No todo debía ser la línea correcta, compañeros, es decir las interminables fatigas obtusas de las células clandestinas del momento. se aplicaron así a sus arpas, bandolas, tambores, requintos, cuatros, fautas, maracas, contrabajos, guacharacas, tiples, guitarras, esterillas, chuchos y vo-ces, e hicieron de ellos sus armas de lucha en medio de ensayos, con-ciertos, grabaciones, investigacio-nes y docencia, vieron declinar el brío de sus antiguos compañeros revolucionarios, vieron pasar ocho presidentes de la república, vieron emerger y abatirse a los capos de los carteles de Medellín y Cali, vieron surgir y pacifcarse varios grupos guerrilleros, vieron enfurecerse a los dos más gran-des de éstos, vieron el fracaso del discurso de la trasformación global de las estructuras sociales. Y ellos... ahí. en 2006, cuando el actual primer mandatario de los co-lombianos termine su período —¿su primer período?—, los Nueva Cultura habrán completado treinta años de trabajo musical, más bien callado, y habrán de-mostrado que sus vibraciones tenían más poderío que las de los comisarios políticos del mar-xismo criollo. De hecho, ya hoy han ganado una victoria, a la vez política, ética y estética. Pero esta victoria hace rato los ha lanzado a otra batalla. Han grabado nueve discos y preparan una compilación de los mismos; han ganado premios sobre grupos tan reconocidos como Los Gaiteros de san Jacinto; han hecho giras y participado en eventos en Venezuela, Argentina, México, Brasil, Cuba y el Caribe; han creado una fundación de la que se desprende una escuela de Formación Musical para Niños y Jóvenes en convenio con la uni-versidad Nacional, un preescolar artístico, una primaria musical y, próximamente, un bachillerato musical; han creado cuatro gru-pos musicales infantiles, llamados Ámbar, Azurita, Magenta y sepia, con los cuales han grabado cuatro discos y tienen otro en prensa; han formado varias generaciones de músicos profesionales, que a su turno crearon grupos como Sinsonte, que en 2003 lanzó su primer disco Mimus políglottus; educan musicalmente en la ac-tualidad a más de 500 niños y jóvenes, con un equipo perma-nente de 60 profesionales activos; realizan 50 conciertos al año; participan en el Consejo Distrital de Música y presiden el Nacio-nal, escenarios donde inciden en las políticas públicas del ramo; cuentan con varias sedes, urbanas y campestres, donde ejercen la pedagogía musical, con métodos propios creados por ellos mismos desde cuando fueron directivos de la Academia superior de Artes del Distrito, Asad; son miembros activos de los encuentros de la Canción Infantil Latinoamerica-na, realizados desde 1994 en La Habana, Maracaibo, México, Cór-doba, Bogotá y Bello Horizonte; fundaron el Movimiento Colom-biano de la Canción Infantil, que ha realizado tres festivales.Como se ve, Nueva Cultura es toda una empresa artística, docente e investigativa, muy ramifcada, cada uno de cuyos componentes opera con auto-nomía administrativa, bajo un concepto hallado a lo largo de los años, el de las músicas caribes iberoamericanas, que ellos sono-ramente llaman “Ciam”. Llegaron a él tras la comprobación de que la división política de los países del continente es muy estrecha para nombrar sus músicas, y, en consecuencia, es preferible reco-nocer una hibridación cultural, según la cual, por ejemplo, la salsa no sería un ritmo neoyorquino ni norteamericano, sino latino. Pues bien, aquí aparece el otro campo de batalla mencionado arri-ba. este trabajo de picapedreros de los Nueva Cultura, prolongado año tras año en complejas crea-ciones materiales y espirituales, si bien es reconocido y apreciado en los círculos especializados de la música popular, no ha logrado penetrar ni los grandes circuitos de producción y distribución de discos, ni las páginas y ondas de los medios masivos de comuni-cación. Ni la radio ni la televisión ni las empresas disqueras le han dado el espacio necesario para que los colombianos se acerquen a sus sonoridades. Por eso, mientras triunfan Carlos Vives, Juanes y Cepeda, mientras surgen grupos de fusión que logran un aceptable grado de penetración, los cantos propios y los arreglos de Nueva Cultura no trascienden más allá del círculo de sus iniciados. Jorge sossa, el fundador y líder del grupo reco-noce que desde hace dos años se están planteando cómo circular, cómo encontrar la clave que les permita a estas músicas entrar en los canales comerciales. sossa, al igual que varios de sus originales cómplices, guarda una apariencia juvenil, estilo años sesenta, a pesar de que varios de sus hijos son hoy adultos y con-forman grupos musicales que, a su juicio, lo trascienden a él. es como si el vivir en medio de la música le proporcionara el elíxir de la juventud perpetua. se agita en su ofcina aledaña a la universi-dad Nacional, habla por teléfono taxativamente, le da instrucciones a su asistente, detiene el paso del tiempo con su surtidor incesante de energía. 

 Artista empirico de Barichara, Santander, hace 30 años trabaja la talla en madera. En su obra promueve y exalta los rasgos de la raza negra, hace un homenaje a la la mujer afrodescendiente y en sus esculturas la destaca. Utiliza materiales reciclables de la naturaleza como son las maderas finas y duras, combinadas con metal y hojas de árboles. El artista fue acreedor a mención de honor en el VI Salón BAT de Arte Popular.

Desde el principio el grupo se ha caracterizado por su curiosa propuesta que mezcla el jazz con el folclor urbano: guasca, porro, vallenato y chucu-chucu entre otros ritmos. Su fusión es el resultado del estudio de expresiones autóctonas de la región andina colombiana, ritmos mestizos de la costa y sonidos de la cultura afro-antillana de nuestro país. 

Nació el 3 de 2eptiembre de 1923 en Bucaramanga, falleció el 28 de octubre de 2018 en Girón, Santander. Hijo de Daniel M. Mantilla Rodríguez y de María Luisa Álvarez Ortiz. Curso estudios de bachillerato en el Colegio Santander Inició estudios con su padre a muy temprana edad. Estudió en el Conservatorio de la Universidad Nacional de Bogotá de 1940 a 1950 y de 1958 a 1962.Teoría y solfeo con los maestros Luis Macías y Jesús Ventura. Dictados con el maestro Jesús Ventura. Armonía con los profesores Gustavo Escobar, María Rodrigo y Demetrio Haralambis. Técnica Vocal con el maestro Aime Dossier. Contrapunto con la profesora María Rodrigo y el profesor Fabio González Zuleta. Formas musicales y composición con el maestro Luis Antonio Escobar. Historia de la música y apreciación musical con los profesores Otto de Greiff y Hernando Caro Mendoza. Dirección Coral con los maestros Jesús Ventura y Olav Roots. Instrumentación para banda con el maestro José Rozo Contreras. Orquestación y Dirección de Orquesta y Coros en la Universidad de Oakland, Rochester con los maestros Robert Shaw y Klayton Craibie. Técnica Vocal con el maestro Garlind House. Participante por invitación especial en el Congreso Nacional de Bandas de los Estados Unidos, realizado en Ann Arbor, Michigan, del 16 al 23 de Julio de 1966, en el cual dirigió en concierto la Banda Sinfónica de la Universidad de Michigan. CARGOS DESEMPEÑADO (entre otros) Miembro de la Banda Departamental de Bucaramanga. Miembro de la Banda de la Policía Nacional de Bogotá. Miembro de la Orquesta Sinfónica Nacional. Director de la Banda Departamental de Cúcuta. Profesor de la Escuela Departamental de Música de Cúcuta. Director de la Banda Departamental de Nariño. Director del Conservatorio de la Universidad de Nariño. Fundador y Director de la Orquesta Sinfónica de la Universidad de Nariño. Profesor de Cursos Superiores e Investigador de la Universidad del Cauca. Profesor del Conservatorio Nacional de Bogotá y Director del Coro y de la Orquesta de la misma institución. Director Fundador de la Academia Colombiana de Bellas Artes. Supervisor de Enseñanza Musical del Distrito Especial de Bogotá. Profesor de la Escuela Militar de Cadetes y Director de su Coro. Director de la Banda de la Guardia Presidencial y de su Coro de Cámara. Profesor de tiempo completo de la Universidad Pedagógica Nacional y Coordinador de la Sección de Música. Director Nacional de Educación Musical y de Bandas del Instituto Colombiano de Cultura. Director Fundador de los Coros del Banco de la República, Colseguros, Instituto Colombiano de la Reforma Agraria, Escuela Superior de Administración Pública, Sena, Ministerio de Justicia y de la Pontificia Universidad Javeriana de Bogotá, con el cual quedó ganador del primer lugar en los concursos de los coros Universitarios, Club de Estudiantes Cantores (CEC), durante tres años consecutivos. Director invitado - en diversas ocasiones - de la Orquesta Sinfónica de Colombia. Director invitado - en diversas ocasiones - de la Orquesta Filarmónica de Bogotá. Asesor del Gobierno Venezolano para el Sistema Nacional de Orquestas Juveniles. Director del Instituto Venezolano de Música Simón Bolívar de Maracay. Director Fundador del Núcleo de la Orquesta Nacional Juvenil de Barinas. Profesor Múltiple del Conservatorio de la Orquesta Nacional Juvenil de Caracas y Coordinador de las Investigaciones sobre sistemas Modernos de la Enseñanza de la Música, adelantadas por este Conservatorio. Director Fundador del Centro de Educación Musical Integral CEMI de Ciudad Guayana en el Estado Bolívar, Institución que fue luego elevada a la categoría de Conservatorio de Educación Musical Integral, por el Consejo Nacional de Cultura. Nota del editor: El maestro Rito Antonio recibió el homenaje a toda una vida en el Festivalito Ruitoqueño de música colombiana.

Escritor y pintor natural de Cúcuta con formación en diseño industrial, con capacidad para estructurar, organizar, coordinar y dirigir proyectos, actividades y recursos en el sector educativo, cultural e industrial. 

Conocimientos y experiencias en:
Evaluación, diagnóstico e intervención educativa en población de niños, jóvenes y adultos.
Pedagogía con énfasis en el desarrollo del pensamiento, habilidades sicomotoras y potenciación de la creatividad.
Diseño y desarrollo de artesanías y productos en madera, bambú y otros materiales naturales. Gestión, promoción y coordinación de proyectos artísticos, culturales y de diseño industrial. 

Diseño de imagen publicitaria montajes escenográficos y artísticos.
Habilidades sociales de comunicación y liderazgo, habilidad en el manejo de grupos, capacidad y disposición para adquirir nuevos conocimientos, actitud emprendedora y dinámica. 

Según la exposición “SUENA ANDINA” 

La Música Andina Colombiana está presente y vigente, las nuevas generaciones acompañadas por la  academia han puesto en la contemporaneidad los ritmos tradicionales con el ímpetu de las nuevas generaciones garantizando la permanencia a través del tiempo. SUENA ANDINA es una expresión plástica de la intimidad de la música andina colombiana a partir de la mirada particular tomando ángulos y perspectivas que son producidos por los compositores, los intérpretes y los instrumentos utilizados, creando momentos únicos.  Éxtasis captado del espacio real y traducido en colores y formas plasmados en espacios bidimensionales, congelando en el tiempo las sensaciones son producidas. 

Obras Recientes

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 La agrupación Rumbambuquiando nace en febrero de 2005, por iniciativa de cinco estudiantes de la licenciatura en música de la UPTC, quienes gracias al programa “Somos Nosotros” encontraron en la música carranguera un gusto en común.

 Artista visual emergente contemporánea que contribuye a dar identidad y presencia al arte local incluyente en escenarios regionales y nacionales con obras construidas a partir de contextos donde se amplía el lenguaje artístico sin perder elementos particulares y diferenciadores regionales. Sandra es una artista plástica autodidacta, radicada en la ciudad de Bucaramanga. Tecnóloga en laboratorio dental USTA 1994. Asistente de dirección y supervisión de Script Sena-Itae, Bucaramanga 2020. Fotógrafa autodidacta. Ha expuesto desde el año 2008 hasta el presente (2021). Ganadora de varias convocatorias fotográficas y menciones de honor. Su trabajo fotográfico ha estado enfocado hacia procesos de investigación con la comunidad.

 Santiago Rodríguez Ruiz nace el 5 de noviembre de 1996 en Bogotá Colombia, desde muy temprana edad conoce la arcilla de Ráquira, una ciudad artesanal de la que sus padres son nativos y comienza una continua relación de experimentación empírica con el material, la forma y su contexto. Actualmente sus obras se exhiben en diversos espacios a través del país, también ha realizado algunas obras audiovisuales que se han proyectado por Latinoamérica. Sus obras son el resultado de la interacción con su entorno rural, la memoria de su infancia y el asombro por lo sutil; procura una idea minimalista y una textura monocromática a través de la cual busca celebrar el movimiento, la fuerza y las particularidades del cuerpo humano. Interpreta la forma a través de la escultura en arcilla roja de Ráquira, buscando capturar la expresión y los gestos del quehacer de ciertas actividades nobles de los seres humanos, la pieza es posteriormente sometida al fuego como parte del proceso de cocción donde eventualmente adquiere su color único y particular.

Colombita está inspirada en el formato de grupo de cámara compuesto por la bandola, el tiple y la guitarra, instrumentos de cuerda que simbolizan una tradición musical del centro de Colombia. El trío está conformado por tres músicos que heredaron de sus raíces familiares la convicción y entrega para expresar a través de la música la identidad de nuestra tierra y su cultura. En 1993 coincidieron en un momento único en la historia de su folclor, cuando fueron convocados a hacer parte de la primera Orquesta de Cuerdas Colombianas, que llevó el nombre de Nogal, cuya especial sonoridad fue concebida por su director, el Maestro Luis Fernando “El Chino” León. Pero solo hasta el año 2000, confluyen intereses mutuos que posibilitan su alianza, con una filosofía de trabajo que ha permanecido intacta hasta hoy. Con sus cuerdas han recibido la ovación en escenarios de Colombia, América y Europa, y han grabado tres producciones discográficas que resumen diferentes etapas en la gestación de su sonido: “Trío Colombita” del año 2002 “Respuestas”, del año 2005 y “Colombitis”, del año 2006. A través de una puesta en escena muy elaborada, quieren contagiar a todo el público, sin distinción de gusto, edad o nacionalidad, de “Colombitis”, una exacerbación de la colombianidad, linaje con el cual nacimos, sin antídoto ni vacuna.

Fundó el Desfile de piloneras –que da inicio al Festival de la Leyenda Vallenata cada año–, en 1981. Este se convirtió en concurso en 1994. Cecilia fue prima y comadre de Consuelo Araujonoguera, con quien trabajó siempre codo a codo, tanto que cuando a Consuelo le ofrecieron el ministerio, puso como condición que la Polla la reemplazara en la presidencia del festival, como lo hizo durante cuatro ediciones.  Bajo su dirección se creó la categoría de acordeonero juvenil, así como la escuela Talento Vallenato Rafael Escalona Martínez y el Festival de Música Vallenata en Bandas.

Entre las acciones más importantes de Cecilia “La Polla” Monsalvo, durante su gran gestión cultural están la inclusión en el acto inaugural del Festival de la Leyenda Vallenata del desfile de piloneras, construcción de la primera etapa e inauguración del Parque de la Leyenda Vallenata “Consuelo Araujonoguera”, la creación del Festival de Música Vallenata interpretada en Banda, la fundación de la Escuela Talento Rafael Escalona y la edición en 1984 de la revista institucional de la Fundación Festival de la Leyenda Vallenata. 

Nació en El Difícil, Magdalena, y creció en Plato, donde se inició musicalmente al lado de su padre, que era técnico y acordeonero. Su carrera profesional comenzó en 1994, cuando grabó con Las Diosas del vallenato, con Patricia Teherán. Juntas ganaron un Congo de Oro en Barranquilla.

Maribel ha sido una incansable concursante en el Festival Vallenato, al que se presenta desde 1985. Obtuvo tres veces el segundo lugar en la categoría de aficionado y desde 1989 compite como profesional, sin alcanzar la corona. Ha sido la mujer que más veces se ha presentado en el festival.

Rita Fernández Padilla, fundadora de Las Universitarias, compositora de canciones como Sombra Perdida, Son del Tren y el himno de Valledupar.  Podría decirse que fue la primera juglaresa. La samaria Rita Fernández (1946) es cantante, compositora, pianista y guitarrista. Nació en una familia musical académica, pero adoptó el vallenato durante unas vacaciones. Esto le causó llamados de atención no solo de sus familiares, sino de la sociedad, que no veía con buenos ojos a una mujer integrada a una parranda.

En 1968 fue la primera mujer en actuar –como invitada especial– dentro del primer festival vallenato. Fue el origen de Las Universitarias, el primer conjunto vallenato conformado por mujeres.

Directora: Graciela Salgado

Nació en el Paso - Cesar, tiene un hijo acordeonero, de nombre Alejandro como él, su vena musical le viene, no sólo de la madre, Juana Díaz, que era una excelente cantadora de tamboras, sino del tío Octavio Mendoza, "El Negro Mendo", que le enseñó el arte de tocar el Acordeón y de su propio padre, Nafer Donato Durán Mojica, que era acordeonero. Cuando se inició el Festival de la Leyenda Vallenata en 1968, fue coronado como el primer Rey. En 1987, veinte años después se presentó nuevamente a concursar cuando en el Festival se elegiría al Rey de Reyes, pero fue derrotado en la final por Nicolás "Colacho" Mendoza. 

Tenía al pueblo a su favor, y cuando se escuchó el veredicto del jurado que elegía a "Colacho" como el Rey de Reyes, el pueblo enfurecido por tal decisión, con piedras, botellas y lo que encontró la emprendió contra la Tarima Francisco el hombre, la plaza y lo que encontraba, pues no aceptaba el fallo. Pero no había nada que hacer, el nuevo Rey era "Colacho". Frente a esta situación, El Negro Alejo, como se le conocía a Alejandro Durán, decepcionado dijo que jamás volvería a participar en el Festival. Al llegar a su pueblo natal, la gente le hizo una "CORONA" y lo proclamó "REY", y en honor a su memoria, todos los años se realiza en el Paso el Festival Pedazo de Acordeón. El Son, la Puya, el Paseo y el Merengue, recibieron de Alejo el más significativo respeto y toda la aplicación de su talento. 

Su hora inmortal está compendiada en títulos de su autoría y obras musicales de su autoría y obras musicales de compositores no menos famosos que se enorgullecieron al ser interpretados por él. Rafael Escalona, Leandro Díaz, Tobías Enrique Pumarejo y Juancho Polo Valencia, permitieron que "El Negro Grande" o el "Negro Alejo" estampara su característica autenticidad. Falleció el 15 de noviembre de 1989.

Obras Recientes

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Hasta hace poco lo vieron en el mercado de Bazurto vendiendo jaulas para pájaros y trampas para ratones. Y como en Cartagena no dan vueltas para encontrar un apodo, cada vez que veían su figura flaca y desamparada llevando siempre un rollo de alambre, lo bautizaron como Alambrito. En verdad, Alfredo Piñeres, nacido un 17 de abril de hace 57 años en el barrio Escallón Villa de Cartagena, no precisa en qué momento empezó a pintar. Parte del año 2000 fecha de su primera exposición, pero ya en 1998 había sido escogido entre cuarenta participantes en la convocatoria del Salón de Arte Comunal Ecopetrol, con una pintura en la que aparecía un médico dándole de comer a dos recicladores. Es en ese año cuando empieza a mostrar tímidamente algunos de sus cuadros. Uno de ellos se convierte en la punta de lanza para que en definitiva cambie de profesión de hacedor de jaulas a las de pintor. Con la obra La felicidad que no llegó, conoció al curador del Museo de Arte Moderno de Cartagena, quien reconoció de inmediato su gran talento y le propuso que hiciera una serie para su primera exposición individual. Pensó en las 14 obras de la misericordia, para averiguar su hermano fue a la catedral donde el párroco y le enseñaron cuáles eran. Se dedicó entonces a producir las obras que le tomaron un año, para luego ser exhibidas en el museo el 16 de noviembre del año 2000. Alfredo es un caso excepcional en el arte de Cartagena y el país. Luego de sobrevivir haciendo jaulas y trampas, se le apareció Norma Uparella en el camino para proponerle que dejara los alambres y se dedicara a pintar. Le propuso incluso pagarle el valor semanal de las jaulas y las trampas, y comprarle lienzos y óleos y acrílicos con tal que no hiciera otra cosa sino pintar. Eso hizo. Aún se tropieza con dueños de colmenas en Bazurto que siguen preguntándole por sus jaulas y trampas  y le dicen: “oye, estás perdido, alambrito”, y se encuentra incluso con  gente que sabe muy bien que es uno de los más destacados y reconocidos artistas populares  de Cartagena,  y cometen la travesura de encargarle a estas alturas de su arte, una jaula. “Es la jaula del artista Alfredo Piñeres”. Qué perversa es la gente. Alfredo no sabe decir no y termina buscando su antiguo rollo de alambre para armar la jaula con la misma delicadeza con que ha hecho sus pinturas que han merecido ya premios nacionales como la del Salón de Arte Popular BAT y la inclusión en el libro de los mejores artistas populares de Colombia. Nada de eso le agrega un milímetro a su vocación congénita de  ángel invisible. Parece que todo eso le está ocurriendo a otro Alfredo Piñeres que sale en los periódicos, que gana premios y figura ya en  colecciones privadas e institucionales. Lo cierto es que su vocación por la pintura empezó mucho antes que el rollo de sus jaulas y trampas. El papá de Alfredo trabajaba en el Laboratorio Labec que estaba en el Pie de la Popa, y por esos aparentes casualidades de la vida, terminó vendiéndole medicinas al mismo Noé León, el gran pintor primitivista. Alfredo conoció la obra de Noé León cuando empezó a pintar. Fue a Barranquilla a una retrospectiva de Noé y le sorprendió un cuadro en el que aparecía un tigre perseguido por un cazador. Nunca se vieron, solo a través de la mirada de su padre, pero entre los dos hubo la complicidad de las escenas humanas cotidianas. Alfredo empezó pintando a los suyos: a María Paulina Herrera, su madre, y José Alejandro Piñeres, su padre, y a sus hermanos. “Soy el segundo de ocho hermanos. Un día mi papá llegó con una caja de pintura y mi hermano Moisés se la acabó toda. Me quedé con ganas de pintar. Más tarde, en el año 2000 hice mi primera exposición que llamé Dar de comer al hambriento. Eran catorce obras que llamaron la atención del curador del Museo de Arte Moderno, Eduardo Hernández y de Moraima Facio Lince”. Fue seleccionado y premiado en el Salón BAT y escogido en el Salón del BBVA con la obra “César, el todero”, en 2010. El Banco de la República de Bogotá le compró 9 obras. Participó en la exposición de arte latinoamericano en Guatemala. Y en la Casa Museo del Banco Nacional de Panamá. Y el día de su cumpleaños el 17 de abril le tienen una sorpresa nacional en Bogotá. Él se sonríe cuando le dicen Maestro. Lo es y él se ruboriza cuando preguntan por el Maestro Piñeres. No le gusta celebrar sus cumpleaños. Cuando niño hacía lo que todos los niños de barriada en Cartagena jugaban: perseguir lagartos, pájaros y conejos en los rastrojos y jugar al bate, al barrilete, al trompo y la bolita de uñita. Su  maestra Cristina de Macías en la Escuela Andalucía del barrio Piedra de Bolívar, lo buscaba cada vez que tenía que pintar en el tablero, una vaca, una mata de maíz o algún retrato.  En su pequeña y humilde escuela del barrio pasó alguna vez el general Simón Bolívar en uno de sus viajes a Cartagena. Sus pinturas son crónicas al lienzo en donde esos mismos niños juegan al bate y a la bolita de trapo, los mayores juegan dominó bajo los árboles,  y la plaza discurre en su cotidianidad: el señor que está sentado en su mecedora en la puerta de su casa, la señora que vende sus fritos, el bus que pasa, el perro que husmea en la basura, el mendigo y el ciego, el usurero y el compasivo. Son retratos humanos y morales: la pobreza y la riqueza, la naturaleza, las virtudes y pecados sociales. Alfredo no habla, tiene las palabras contadas, lo acorrala su propia timidez y su silencio se ilumina cuando está ante el lienzo. Es impecable con las escenas que pinta. Cuando pasa por Bazurto no falta alguien que lo señala con cariño: “Allá va Alambrito”. Quién lo creyera. Ahora no lleva un rollo de alambre sino unos lienzos bajo el brazo. Un maestro que sin proponérselo, forma parte de la estirpe de Noé León o Marcial Alegría.   Fuente: El Universal.

Cantante, compositor, actor y empresario, Carlos Vives es uno de los artistas más emblemáticos de Colombia y una de las figuras más importantes de la música latina. Con mas de 20 millones de albums vendidos en todo el mundo, es considerado un pionero del nuevo sonido colombiano y latinoamericano. Fue el primer artista colombiano en ganar un premio Grammy y, hasta la fecha, se ha llevado a casa 2 Grammys y 11 Latin Grammys. Algunos de sus grandes himnos son: La gota fría, Déjame entrar, Fruta fresca, Pa’ Mayté, Volví a nacer, La tierra del olvido, Bailar contigo y el éxito La bicicleta, que comparte junto a Shakira.

Carlos Vives, el hombre que modernizó una de las mejores expresiones artísticas de Colombia, estaba predestinado a la creación y, especialmente, a la música. Y, a través de su arte, y a lo mejor sin saberlo, predestinado también a convertirse en el representante de ese colombiano puro y honesto, que con cada acto enaltece a su país.

Vives siempre tuvo el virus artístico a flor de piel. En 1982, con un poco más de 20 años, empezó su carrera como actor en el programa de televisión infantil Pequeños gigantes. En los tres largos años que estuvo en la pantalla demostró que, aunque pequeño, dejaba huellas de gigante a su paso. En el año 1984 se gradúa como publicista de la Universidad Jorge Tadeo Lozano, con un postgrado en producción de televisión. Protagonizó, junto a grandes actores, diversas series y telenovelas incluyendo El Faraón y Tuyo es mi corazón, siendo recordado por encarnar a célebres personajes como “Gallito” Ramírez y el famoso compositor Rafael Escalona.

Este samario cautivó multitudes en América y en Europa con los ritmos de Clásicos de La Provincia, álbum con el que rompió su propio record de ventas (triple Disco de Oro y triple Disco de Platino en 1993 y 1995), que ostentaba la banda sonora de Escalona. De igual forma, logró ubicar en los primeros lugares de los listados pop canciones de juglares vallenatos como Emiliano Zuleta, Juancho Polo Valencia, Luis Enrique Martínez y Carlos Huertas, entre otros.

El ímpetu de Vives no le permitió quedarse en la comodidad del éxito sino que lo impulsó a un siguiente nivel: componer canciones de su propia autoría. Logró mezclar a la perfección el encanto costeño, la fuerza vallenata y la frescura del pop en La tierra del olvido, trabajo ganador de triple Disco de Platino en 1996, catalogado por la crítica como el disco más importante en los últimos 50 años para la industria de la música colombiana.

En 2013, con más de 40 composiciones hechas por el cantautor en el último año, se seleccionaron 12 temas inéditos para la nueva producción de Vives: Corazón profundo.  El primer sencillo se lanzó el 24 de septiembre del 2012, seguido por la primicia de su nuevo video musical en octubre.  Como si fuera poco, Carlos no solo le brindó a sus seguidores una nueva propuesta, sino que el público colombiano pudo disfrutar de su recordada presencia en “La Voz Colombia”.

Corazón profundo y Más corazón profundo, generaron seis # 1 en el Hot Latin Songs de Billboard, con éxitos como: Cuando nos volvamos a encontrar ft Marc Anthony, Bailar contigo, El mar de sus ojos y Volví a nacer, que se convirtió en un himno en América Latina, dominando radios en México, Venezuela, Chile, Argentina, Ecuador, Perú, Centroamérica y Colombia. El Más corazón profundo tour se convirtió en la gira más exitosa en la historia de Colombia, con más de 200.000 fans llenando estadios en cinco conciertos.

Para 2014, en los Premios Billboard Latino, recibió el Premio Espíritu de la Esperanza por su labor social y su dedicación a causas nobles. Fue nombrado por la USAID como Embajador de inclusión y de la diversidad étnica en Colombia. Por su desempeño en visibilizar a la población  afrodescendiente e indígena recibió el Premio Leyendas en la gala de la Fundación Herencia Hispana en Washington D.C.

Recibió el Grammy americano en febrero de 2015 en la categoría “Mejor álbum latino tropical del año”, siendo el segundo en su carrera y uno de los más grandes logros para un artista colombiano, registrado en primera página de los principales periódicos del país, al día siguiente de la ceremonia que se llevó a cabo en Los Ángeles. También, Unido2s, gira junto a Marc Anthony, quedará en la historia como una de las giras más taquilleras en Estados Unidos.

En mayo de 2016, Vives publicó su nuevo sencillo La bicicleta, a dúo con su colega colombiana Shakira. El sencillo debutó como #1 en Billboard y se convirtió en el decimosegundo #1 de Vives en su carrera musical, destacando al samario como el tercer artista latino con más #1 en Billboard. La bicicleta estuvo múltiples semanas en el #1 de Billboard Latin Airplay, meses continuos de #1 en Colombia y, además de ser la canción más escuchada en Estados Unidos, Puerto Rico y Colombia, se convirtió en la canción más escuchada en Latino América, encabezando las carteleras en México, Ecuador, Guatemala y Los 40 principales en España. La canción debutó en Billboard Hot 100, marcando la primera vez que Vives entra a esta cartelera. A su vez, el vídeo debutó en el Top 20 de los vídeos globales de Youtube.

Fuente y fotografía tomado de : http://www.carlosvives.com/biografia/

Cecilia Meza Reales (1946-2012) y Rita Fernández fueron las pioneras en tocar acordeón y conformar una agrupación vallenata femenina, Las Universitarias, llamadas así porque varias de sus integrantes cursaban diferentes carreras.

Algunos la catalogan como una de las mejores cantantes que ha tenido el vallenato. Sus responsabilidades profesionales, en el Instituto Colombiano de Seguros Sociales, del cual se pensionó, la fueron distanciando de la música.

(Valledupar, 1.° de agosto de 1940 - La Mina, Cesar, 29 de septiembre de 2001), conocida como "La Cacica", fue una política, escritora y gestora cultural colombiana, conocida por su impulso a la cultura de la música vallenata y la creación del Festival de la Leyenda Vallenata junto con Rafael Escalona y el dirigente liberal Alfonso López Michelsen.

Escritora, periodista, investigadora de tradiciones culturales y linguísticas de su región. Consuelo Araujo Noguera fue una mujer aguerrida y polémica que ejerció un periodismo crítico e investigativo que la proyectó nacionalmente y la hizo acreedora de las más destacadas distinciones y reconocimientos entre ellos su nombramiento como Minisitra de Cultura en el gobierno del presidente Pastrana. Columnista de periódicos nacionales y regionales. Escribió tres libros que son el resultado de las investigaciones que realizó a lo largo de su vida : Vallenatología , Escalona, el hombre y el Mito y Lexicón Vallenato . Su trágica muerte a los pocos días de haber sido secuestrada por la guerrilla conmovió al país y provocó la más grande movilización de su pueblo. Homenaje póstumo al que asistieron todos los acordeoneros de la región. En esta despedida, los músicos portaron sus instrumentos sin interpretarlos como símbolo de protesta y homenaje a esta mujer que entregó su vida a la investigación y divulgación de la música de su región.

 Nace en Cartagena en 1997, bajo la dirección del coreógrafo Dixón Pérez González. Su repertorio coreográfico se nutre de todas las regiones folclórica de Colombia. Como grupo de Danzas se ha caracterizado por su propuesta creativa de Comparsas de Fantasías, con la participación de un colectivo de 65 artistas. Además se proyecta como Escuela de Bailes dirigida a niños y jóvenes cartageneros.

 El show de AGLAÉ y su Orquesta “La Reina del Porro”, consiste en una intervención musical de cincuenta minutos, en la que se interpretan los diferentes ritmos folclóricos que muestran nuestra identidad cultural.

 Nacio en La Jagua del Pilar (Guajira) el 11 de enero de 1912. Uno de los más grandes juglares del folklore vallenato. Su interés por la música despertó, a los 13 años, cuando en una de esas travesuras de niñez, decidió hurtarle el acordeón a su tio, y es así como Emiliano Zuleta jamás pensó que ahí comenzaría su carrera que lo consagraría como uno de los juglares más grandes del vallenato. Desde entonces acordeón en mano, recorrió los pueblos de su tierra natal el sur de la Guajira y el Valle de Upar, fuente de la que nutría su inspiración. Un día cualquiera en 1938, su ego se sintió golpeado cuando alguien le dijo que en la región había un hombre que tocaba mejor que él, era nada más y nada menos que Lorenzo Morales el famoso Moralito . Ahí nació La Gota Fria , esa canción que le ha dado la vuelta al mundo, luego que el vallenato atravesara las fronteras.

Durante el primer Festival de La Leyenda Vallenata (1968), cuando ganó Alejandro Durán, causó sorpresa la presentación en competencia de una jovencita de escasos 16 años al lado de siete concursantes de reconocida trayectoria, como eran Alejo Durán, Ovidio Granados, Luis Enrique Martínez, Emiliano Zuleta Baquero, Toño Salas, Alcides Moreno y Lorenzo Morales. La osada niña era Fabri Meriño, nacida en 1952 en El Molino, La Guajira.

Fabri causó sensación en la primera ronda. Para la segunda sucedió algo extraño y fraguado por una reconocida artista, quien, temiendo que “la recién aparecida” les ganara a los veteranos, la llevó a hacerle un peinado, demorándola. Al llegar a la plaza, la habían descalificado. La versión es de su hermano Osmel.

En 1970, Fabri volvió al festival, pero salió en primera ronda. En 1971 fue la única víctima mortal de un accidente de tránsito. Lo único que quedó grabado de Fabri fueron los coros que hizo en el conjunto de Aníbal Velásquez, uno de ellos en la guaracha Mambo loco.

Nace en  1902 en El Molino, La Guajira, y muere en 1962, en Bosconia, Cesar, en una casita al pie  de la línea férrea.

En la década de los años 20, Fráncico Irenio Marzal “Chico Bolaños” ya era un gran acordeonero según  su hijo Hildemaro Bolaños (padre) la abuela de Chico era Villanuevera. Él es de los Marzal, de la gran cuna de acordeonistas. Para los años 30 como hombre libre, andaba por todas partes explicando la diferencia entre los cuatro aires.

Según entrevistas realizadas por el doctor Tomás Darío Gutiérrez al maestro Alejo Durán, este manifestó que aprendió a tocar puya gracias a Chico Bolaños y Francisco “pacho” Rada, al primero que escuchó tocar los cuatro aires juntos  fue: “a un tal Chico Bolaño”. Al maestro Emiliano Zuleta Baquero un medio día le pregunté: “viejo, antes de ti quien había que tú sintieras respeto por él” y “Mile” respondió: “por aquí no habido un músico como Chico Bolaños”. 

Al Lorenzo Morales, una mañana en el patio de la tienda Compai Chipuco, donde nos iban a entrevistar para el diario El Heraldo, le pregunté:  “Dime Maestro, ¿De dónde viene tu escuela? y respondió : “De donde vienen todas las escuelas, de chico Bolaños” a Luis Enrique Martínez mi hermano Israel le preguntó : Maestro de dónde viene su escuela y él respondió: “Yo aprendí mucho de Chico Bolaños y de Pacho Rada”.

Tobías Enrique Pumarejo manifestó que él aprendió mucho de Chico Bolaños por todas estas afirmaciones de los más grandes es que lo llamamos “El Mozart del Vallenato”  fue su primer  mentor ( El primer Turco gil), su primer gran promotor. 

De acuerdo al doctor Tomás Darío Gutiérrez al imprimirle Chico Bolaños los reglamentos a los bajos para resaltar y definir los compases, surgió la división entre sones y paseos.

Por eso, algunas personas ancianas dijeron que fue Chico quien inventó los cuatro aires, pero no fue así, él estableció el orden y es verdad lo que dice Gutiérrez: “antes  a todo se le decía son, lo que si es cierto y se cae por su propio peso es que Chico Bolaños fue el primero en agrupar y tocar los cuatro aires con tanta solvencia que permitió su rescate plenamente definidos, él fue así la novedad y paradigma a seguir.

Si uno escucha con atención su canción “Catalina Daza” grabada por “El  cacique Uruma”, décimo  Rey Vallenato, José María “Chema” Ramos, en la voz de Iván Villazón, comprobamos que el paseo es el paseo hoy o hace 70 años no hay diferencia, igual con los merengues: Sánchez Serro y el padre Serrano.

 Dirigido por el Profesor Luis Eduardo Gutiérrez, tiene 15 años de trabajo orientado hacia la investigación folclórica y el rescate de las tradiciones dancísticas de la cuenca del Cesar. A nivel universitario ha asistido a diferentes encuentros regionales logrando el primer puesto en cinco oportunidades. Igualmente en dos ocasiones, ha resultado ganador en eventos universitarios de nivel nacional.

Nació en San Diego (Cesar) el 15 de Mayo de 1964. Hijo del compositor Leandro Díaz, empezó a cantar desde los doce años y es considerado actualmente uno de los mejores intérpretes de la música vallenata. Ganó en la categoría de piquería en el Festival de la Leyenda vallenata en 1986, en la categoría de autor en 1993, y en la de intérprete en 1989,1990,1991,1993 y 1996. Ha grabado cuatros discos: uno con Rafael Salas, Rey vallenato 1979, y tres con Colacho Mendoza.

Hablar del kardon, es hablar de lucha, perseverancia, sentimiento y sabor, como lo describe el maestro LEANDRO DIAZ, en esa hermosa canción que lleva el mismo nombre y en la cual compara el arraigo del hombre de nuestra tierra por sobrevivir ante la adversidad, y la firmeza, templanza y belleza de este hermoso cactus que crece majestuoso y soberbio en las áridas tierras de nuestro hermoso departamento de la Guajira.

Nació el 21 de marzo de 1915, en El Banco, municipio del departamento del Magdalena, lugar en el que pudo tener contacto directo con las bandas de músicos que tocaban en las fiestas y procesiones religiosas, y vivir de cerca la presencia de las danzas de distintas poblaciones, en especial las de las pilanderas. En la época de navidad, en los cantos y bailes realizados para la celebración, Barros y sus amigos de la “barra” tenían la oportunidad de acompañar a los grupos de tambora y chandé, y años más tarde, de participar también de los cumbiones que se hicieron famosos en El Banco. 

En el cuarto año de primaria Barros abandonó los estudios y desde entonces se dedicó a diversos oficios como embolador, ayudante de viajes a Barranquilla y ripiero, y que alternó -hasta abandonarlos- con el canto, la animación de fiestas y las serenatas, su verdadero oficio y pasión. En 1971 fundo junto a algunos de sus amigos el Festival Nacional de la Cumbia en su tierra natal; ha recibido múltiples homenajes y reconocimientos, entre ellos la Gran Orden del Ministerio de Cultura en 1999, un homenaje de la Universidad Nacional de Colombia y el Premio Nacional Vida y Obra del Ministerio de Cultura en el 2002. 

Entre sus más reconocidas composiciones en diferentes ritmos se encuentran: “El Vaquero” (paseo), “No me dejes esperando” (son), “El guereguere” (gaita), “La piragua” (cumbia), “El lagarto” (merengue), “Dos claveles” (pasillo), “Adiós te digo” (ranchera), “Desgraciadamente” (bolero), “Tu sombra“(vals), “Vivo entre la farra” (tango), ”Cómprame un coco (porro), “Pajarita” (merengue), “Las hilanderas” (paseo), y el vals ”Canta el corazón”.

 Este barranquillero, un agricultor que ha dedicado más de dos décadas a la pintura y a hacer esculturas en barro, quiere rendir un significativo homenaje a los pueblos indígenas que han sido tan relegados a lo largo de la historia de Colombia. Para él, el arte, que ha sido la esencia de su vida, despierta la sensibilidad y hace comprender las situaciones plasmadas en sus obras.

 Nació en Fonseca, La Guajira, el 27 de diciembre de 1907 y murió el pasado 11 de agosto en Santa Marta, a sus 95 años de edad, como consecuencia de una infección renal. José María Chema Gómez Daza, preclaro exponente del vallenato costumbrista y narrador poético de las vivencias de su entorno provinciano, fue odontólogo de profesión. La mayor parte de su vida, 60 años, la vivió en la capital del Magdalena (Santa Marta). Su obra consta de tres piezas: Compai Chipuco , el paseo que le grabó con rotundo éxito Carlos Vives, antes grabado también por Colacho Mendoza con Diomedez Díaz; El piojo , una tambora que le grabó Iván Villazón con Franco Arguelles, y Fonseca , un hermoso paseo grabado por los Hermanos Zuleta. En uno de sus viajes, Chema Gómez tuvo la oportunidad de conocer al célebre personaje conocido como Compai Chipuco y cuyo nombre de pila era Antonio Guerra. A él le compuso ese paseo que inmortaliza la figura de un campesino que vivió solitario a orillas del río Cesar y de quien Chema Gómez indudablemente tomó frases de sus coplas en las que narraba su tragedia personal. El Compai Chipuco decía, por ejemplo: Soy un hombre solitario como San Francisco Abad, arrastrando este calvario con mis patas bien pintá. Mi nombre es Compá Chipuco vivo humilde y sin pretención, sacándole gusto al gusto yo me divierto tomando ron. Vale la pena recordar que el compositor y músico José María Gómez Daza fue de los primeros en poner al descubierto el origen indígena de la música vallenata, llegando a afirmar que, inicialmente, esta se nutrió de los aires musicales de los indígenas de la Sierra Nevada de Santa Marta, lugar donde se refugiaron algunos chimiles huyendo de los colonizadores europeos.

José María "Chema" Maestre Álvarez, el poeta patillalero inmortalizado en los versos de José Hernández Maestre, murió el 31 de Diciembre del 2012, en horas de la mañana, luego de dos días de permanencia en la unidad de cuidados intensivos de la Clínica Cesar, donde fue llevado a causa de una neumonía.

Chema Maestre, como fue conocido por propios y extraños, había nacido el 9 de agosto de 1918 en la población de Patillal, en el municipio de Valledupar, siendo el menor de los seis hijos del hogar de José María Maestre Maestre y Carmela Álvarez de Maestre. Fueron sus hermanos: José Manuel, Victoria, Carmen Sofía, Leticia y Ana Dolores.

Bernardo Araujo fue su primer educador en la escuela pública que aun existe en Patillal. Del bachillerato sólo logró hacer el primer año pues el Colegio San Francisco, fundado allí por el profesor Nicomedes Daza López, cerró sus puertas en el año de 1934 al no encontrar suficientes alumnos con quienes funcionar. Solo cinco alumnos tuvo ese curso: Chema Maestre, Carlos Pérez, José Manuel Daza, Lucas Daza y Rafael Eduardo Daza.

La vena poética afloró en Chema Maestre desde su infancia, cuando en las clausuras de fin de año de la escuela declamaba las poesías de Julio Flores que sus maestras le encargaban y que él, con gran facilidad, aprendía. También a esa edad comenzó a escribir y no lo dejó de hacer sino hasta cuando la enfermedad del olvido se apoderó irremediablemente de su mente hace pocos años. Chema vivió una feliz, grata y ejemplar existencia. Él escribía sus poemas inspirado por sus propias vivencias, los hechos que lo afectaban o le daban alegría.

A la edad de veinte años contrajo matrimonio con Francisca Martínez, en cuyo hogar nacieron sus hijos: Miriam, Armando, Carmen Cecilia y Ligia.

Las tareas de campo, como la ganadería y la siembra de arroz y algodón, entre otras, fueron sus actividades principales. Hace muchos años tuvo una fábrica familiar de guaireñas.

En 1992, luego de conocer su obra que permanecía dormida en un viejo baúl, decidí publicarla en el libro que titulamos “Sueño de amor”, el cual tuvo dos reediciones que él rebautizó como “Huellas del ayer” y “Tierra mía”. En la presentación de ellos, Chema dijo: - “Este libro contiene algunos poemas ejemplares, escritos con sinceridad y sencillez, aspirando a que puedan llegar a consolar siquiera a un corazón entristecido. Si lo alcanzara a lograr, sería la satisfacción más grande de mi vida”.

Para la primera edición solicité a Consuelo Araujonoguera prologar el libro, y esto fue lo que escribió: - “Chema Maestre, dicho así con su hipocorístico en lugar de su nombre completo, es un amante de la belleza. De la belleza en su justa descripción semántica que la define como ese algo sutil, esa propiedad intrínseca que tienen los seres y las cosas que nos hace amarlos infundiendo en nosotros un goce especial, un deleite espiritual incomparable que, por ello mismo, no se parece a ningún otro sentimiento.

Esta condición que redime y rescata al hombre del materialismo y lo libera de la esclavitud que poco a poco ha ido imponiendo la sociedad de consumo, se ha puesto de presente siempre, a lo largo y ancho de la vida de Chema, de diferentes modos y formas: su acendrado romanticismo, su nobilísima concepción de la amistad, su natural jovialidad, su don de gentes, sus buenas maneras, su caballeresco sentido del honor han ido, a través de los años, delineando el prototipo que él encarna sobradamente y que corresponde más a aquellos viejos y nobles patriarcas del caserío llamado Patillal, que a los presurosos y apresurados ciudadanos del mundo actual.

Todo en Chema rezuma nobleza, romanticismo y poesía. Pero de esta última cualidad sólo supimos a medias cuando se develó el secreto a través del recado musical que su amigo José Hernández le enviara a Fello Fuentes en aquella octavilla feliz del canto que le compuso a la novia lejana:


Si ves a Chema Maestre
me

le dices que le mande


a su amigo José Hernández


un recorte de poesía


que son pa’la novia mía


y no se te olvide Fello


porque a esos versos tan bellos


yo les pongo melodía…

Hoy no ha hecho falta que el compositor Hernández vierta en melodía los sentimientos de Chema porque éste, estimulado por el persistente afecto de nuestra común amiga y mecenas Lolita Acosta Maestre, se decidió a recoger un buen número de sus versos para presentárnoslo en este Poemario Elemental en el que nos desnuda sus sentimientos y pone ante los ojos asombrados de “ intelectuales” y académicos esta muestra de sus versos que, más que para ser sometidos a la aceptación o no del público, fueron escritos para abrirle paso y darle curso a la cauda de los sentimientos desbordados en lo profundo de su alma noble y sencilla.

Son más de cuarenta poemas escritos con los mismos elementos que forman la vida del autor y mantienen encendida su inspiración: la mujer y sus amores; el pueblo tranquilo del que no se desea partir para venirse a vivir a la ciudad ya demasiado grande; la amistad, con su irrenunciable carga de lealtades y de afectos; el campesino a cuyo lado vivió buena parte y de quien se aprendió la filosofía de las cosas hechas con amor; el baño en el río de arena sobre el cual había que oficiar el rito de las casimbas para poderle extraer un agua cicatera; las costumbres pueblerinas que enmarcaron y definieron el entorno cultural como aquella de moler el maíz bajo el esplendor del lucero mañanero; los personajes del pueblo que por su  bondad y su superación marcaron buenamente la vida del autor y, en fin, todas esas vivencias, gratas en veces y en veces tristes, que en los seres sensitivos como Chema Maestre van definiendo sutil pero firmemente su vocación poética.

Yo, lo digo sin vacilaciones, he sido gratamente sorprendida.

Conocer estos versos y encontrar en ellos auténticas expresiones poéticas de buena factura como esa cuartera que dice:


Óyeme corazón, lo que te pido:


No dejes que las penas te detengan


Recuerda que aunque estés envejecido


tienes a quien querer ¡y hay quien te quiera!...

O esta otra metáfora llena de belleza: “La vi en el amanecer de un sueño / acariciando de su jardín las flores…” es descubrir de pronto que ahí, a la vuelta de la esquina, muy cerca de donde uno vive está escondida la sensibilidad de un alma que se expresa en forma elemental pero hermosa. Todo ello demuestra y reafirma, una vez más, que para expresar los sentimientos y la belleza -o la belleza de los sentimientos, si se me permite- no son indispensables ni la Universidad ni la Academia porque con el corazón basta.

Y Chema Maestre tiene uno que late al compás de su inspiración y vierte en versos sus latidos.


¡Enhorabuena!...”

Sobre este mismo libro de Chema Maestre, Diomedes Daza Daza dijo: - “En medio del excesivo folclorismo que padece la región, este libro lo redime del silencio estéril y será el rastro representativo de su existencia”. Y Carlos Alberto Atehortúa comentó: - “Leer estos versos es volver a la primavera, si, a la estación donde florecen nuestras pasiones elementales. Gracias Chema. Hemos vuelto a vivir. Mejor aun, las cenizas de un volcán son flores nacidas en tu poemario maduro, con olor a pomarrosa”.

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Nació en Sincelejo en el año de 1949. Es instrumentista de elevado nivel técnico, toca saxo soprano, saxo tenor, clarinete, flautín y flauta. Es además un talentoso arreglista e intérprete, asume que la principal función de la música es brindar alegría. Estudió durante 10 años con el maestro Antonio María Peñalosa y realizó su debut profesional con la orquesta del reconocido músico sabanero Pedro “Pello” Torres.

Después se trasladó a Medellín, en donde continuó son sus estudios en Bellas Artes bajo la tutela del maestro Gabriel Uribe. En ese tiempo comenzó a sentir gran atracción por la música norteamericana de Glenn Millar, Artie Shaw, entre otros. Gracias a una beca estudió en Berkley Collage of Music en Boston, una de las academias de música más importantes del mundo y en la que fue distinguido como uno de sus cincuenta mejores alumnos.

Almario hace parte del tremendo trabuco musical californiano, Jazz on the Latin Side All Star, que dirige José Rizo. Precisamente en su más reciente álbum titulado Last Bullfighter, el trombonista Francisco Torres, le rinde homenaje al saxofonista colombiano con la composición Justo s Trane Ride. A lo largo de su carrera artística Almario ha trabajado con músicos de la talla de Duke Ellington, Charles Mingus, Tito Puente, Mongo Santamaría, Giovanni Hidalgo, Cachao López y Paquito D ´Rivera.

Su saxo se escucha en las bandas sonoras de varias películas de Hollywood como “Just the ticke”, producida por Andy García. “The road to El Dorado” y “Chickin run”. Almario también tocó y apareció en la película “Living out Loud” protagonizada por Danny Devito, Hlly HUnter y Queen Latifah. Cuatro de sus grabaciones que realizó en 1994 fueron nominadas por los Grammys. Andrae Crouchs y Cachaos Master Sessions, volumen 1, fueron ganadores del Grammy. Justo ha tocado también en The Live Experience de Helen Baylor y con Plácido Domingo en Mi Alma Latina.

El Consejo de Artistas de Hollywood y la ciudad de los Ángeles, le rindió honores a Justo con un premio agradeciéndole su contribución al Jazz. Luis Tamargo en Latin Beat Magazine dijo que Justo es “uno de los 10 mejores saxofonistas de Latin Jazz de nuestro tiempos

Danza satírica de carnaval, de origen colonial, tradicional de Talaigua, (Bolívar) ubicada en la Isla de Mompox. Danza de hombres campesinos, cultivadores de la tierra y pescadores provenientes de la cultura anfibia. Ellos se disfrazaban de mujer para burlarse de sus mujeres indígenas y de los españoles que las conquistaban regalándoles collares y adornos de fantasía. Esta danza se hace en varias zonas de la Depresión Momposina como en Santa Ana y en la Rinconada. Han sido ganadores en tres ocasiones del Congo de Oro en el Carnaval de Barranquilla.

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Como es tradición, en cada versión del Salón BAT de Arte Popular, se rinde homenaje a un artista que se destaque por su trayectoria, técnica y creatividad. En esta ocasión corresponde este reconocimiento a las Tejedoras de Mampuján, grupo de mujeres originarias del corregimiento que lleva este nombre, en el municipio de María La Baja, departamento de Bolívar. Los habitantes de Mampuján han portado con orgullo y valentía su raigambre africana, al conservar sus tradiciones espirituales, sus costumbres y la vocación agrícola de sus mayores. En el año 2000, este corregimiento sufre una incursión violenta por parte del Bloque Héroes de los Montes de María de las AUC. Este grupo armado obligó al desalojo de todos sus habitantes sopena de ser asesinados. Ello da como resultado el desplazamiento de las 245 familias que componían dicha población. No obstante, algunos años después con mucho valor y decisión, resolvieron regresar e iniciar una nueva vida en un terreno cercano al originario y formaron una nueva población conocida como Nuevo Mampuján o Mampujancito. Parte de esta decisión se debe al trabajo realizado por éstas mujeres a través de coser tela sobre tela. Labor que permitió, entre otras cosas, elaborar los duelos de sus más profundos traumas. De esta manera decidieron plasmar sus recuerdos y la memoria de los dolorosos momentos que vivieron en emocionantes y originales cuadros, sin saber que estaban creando verdaderas y únicas obras de arte popular, que hoy exhibe el Museo Nacional de Colombia, en la sala Memoria y Nación. El objetivo de este trabajo comunitario fue en primer lugar, capacitar en esta técnica a varias mujeres para que fueran multiplicadoras de su efecto terapéutico para lograr la reparación, reconciliación y memoria histórica. Estas obras también han sido expuestas en diversas instituciones universitarias de los Estados Unidos y en varios museos de Europa. Algunos de sus telares se exhiben permanentemente, mientras que otros hacen parte de exposiciones itinerantes. Así mismo, las Tejedoras de Mampuján recibieron en el año 2015, en manos de su líder Juana Alicia Ruiz, el Premio Nacional de Paz. Este justo reconocimiento a las Tejedoras de Mampuján se realiza en el preciso momento en que los colombianos tratamos y queremos fervientemente reconciliarnos y olvidar la extraña violencia que nos ha correspondido vivir desde hace muchas decadas y sirve de perfecto ejemplo para buscar el perdón entre todos, víctimas y victimarios. Esta singular y única ocasión, puede ser el inicio de un futuro más promisorio para toda Colombia.

 Lorenzo Miguel Morales Herrera nació el 19 de junio de 1914 en Guacoche (Cesar) en el hogar de Juana Morales y Epimenio Herrera. Este pequeño gigante del acordeón inció en Valledupar el oficio de acordeonero, aprendiendo de oidas, a los grandes de ese momento, entre quienes destacaba Chico Bolaño.

 Luis Nicolás, inició su vida artística en la casa de su abuela en Barranquilla, pero se crio en Montería, en donde sus padres, desde una corta edad, le inculcaron el amor y gusto por el arte. Desde niño despertó un interés por la plastilina, los lápices de colores y los libros de colorear, lo que, con el paso del tiempo, terminó por encaminar su vida artística. Empezó con la pintura en cuadros y objetos, luego los ensamblajes en diversos materiales, y actualmente usa materiales reciclables para realizar sus obras, como las botellas. En sus obras rinde homenaje a la explosión de colores del Caribe colombiano, a las tradiciones, a las fiestas, a su gente, a su naturaleza y a todo lo que simboliza la identidad de los pueblos de esta región del país.

Zapata Olivella (Santa Cruz de Lorica, Córdoba, 17 de marzo de 1920 - Bogotá, 19 de noviembre de 2004) fue un médico, historiador, antropólogo, ensayista, novelista y contador de cuentos. Novelas como Chambacú corral de negros y Changó el gran putas , son crónicas sobre las dificíles condiciones de vida de los afrodescendientes. A esa que es su raza, Zapata Olivella le ha dedicado la mayor parte de su obra cuya lectura es obligatoria para comprender la historia de la diáspora africana. Pero además de estas obras de ficción en sus ensayos sale a flote su pensamiento y su capacidad investigativa como es el caso de Los ancestros afrocolombianos y El sincretismo afrocatólico donde se pueden encontrar análisis rigurosos sobre los procesos de asimilación y resistencia de las culturas venidas del Africa. Con su hermana Delia fue uno de los pioneros en proyectar las tradicionales populares a los escenarios del país y del mundo. Zapata Olivella fue galordonado recientemente por el Ministerio de Cultura por su vida y obra dedicada a la escritura y a la investigación.

Nacida en Montería, a sus ochenta años interpreta cantos de vaquerías y gritos de monte, manifestaciones de la cultura en su relación con el trabajo en el campo. Es el único exponente mujer de este tipo de manifestación cultural.

Arrear ganado de una hacienda a otra, la mayoría de las veces por caminos inciertos o trochas, abriendo monte y montada en un caballo era una de las actividades preferidas de María de los Santos Solipá. Ella era consciente que no estaba bien visto que una dama se dedicara a actividades que para la época, y aún hoy, siguen siendo exclusivas de hombres. Sin embargo, poco le importaba. Desde muy joven ayudó a su padre, Aqulino Solipá, en estas actividades y con la experiencia descubrió que era más fácil cuando se le cantaba al ganado.

“Ueeeee ganadito, eeee, eeee. Cuando yo estaba chiquita me daban arroz con coco y ahora que estoy grandecita me dan con la cacha del soco. Ueeee, vaca mansita eeee, ueeee, eeee”.

 Cantos como esos se oían en medio del Sinú, su eco se perdía en la inmensidad de los potreros y se estrellaba contra las montañas llenas de tigre. Sobre su caballo, con una sarapa y agua para cuando llegara el hambre y la sed, María de los Santos Solipá empezó a convertirse en una de las más grandes exponentes del folclor cordobés.  Según José Luis Garcés González, escritor cordobés, “El grito de monte se utiliza en los campos para establecer comunicación entre los trabajadores y los agricultores cuando están sembrando, desmontando o limpiando la tierra. El grito les permite saber, pese a la distancia, que todo marcha bien, que se aproxima la hora de salir del trabajo, o que, por el contrario, puede existir un peligro. El grito de monte puede ir acompañado de silbidos penetrantes que poseen códigos preestablecidos”.

 La Fundación Festival de la Leyenda Vallenata creó hace mas de diez años un grupo musical llamado Los Niños del Vallenato , que dirige un profesor experto en música. Ese es el gran semillero que cultiva la Fundación para la defensa y difusión de nuestra música. De esta escuela han salido los últimos reyes infantiles entre ellos Manuel Julián Martínez ganador de 1999. También, pequeños-grandes talentos como Camilo Carvajal que a sus cinco años levantó un murmullo de miles de pañuelos blancos que en la Plaza Alfonso López se agitaron cuando interpretó Matilde Helina . Jhonny Pacheco mas conocido como el canarito y Aristides Vargas Ariño de voces y memorias prodigiosas que se conocen la letra de mas de doscientos vallenatos clásicos. Sergio Luis Rodríguez Rey Infantil 1995, Ángel Torres Rey 1998, Ricardo Felizola que a escasos 9 años demostró su maestría en el toque de la Caja, Xavier Suárez Leiva todo un experto en el manejo de la Guacharaca y cientos de niños que se adiestran para competir y llegar a ser algún día lo único que realmente quieren ser en la vida: grandes intérpretes, compositores o cantantes del vallenato.

 Un infarto apagó la vida del primer Rey de Reyes de los vallenatos era el titular que se leía en los diarios en la mañana del sabado 27 de septiembre. Un primer infarto le sorprendió en la tarde del miércoles 24 de septiembre, repitiéndose de manera fulminante el sábado hacia las 11:30 de la mañana, según lo confirmó el médico Moisés Vega, quién estuvo a su cuidado en la clínica Cesar. Nicolas Elías, como fue bautizado por sus padres Andrés Mendoza y Juana Daza, nació el 15 de abril de 1936 en la vereda Sabanas de Manuela, en San Juan del Cesar (La Guajira). En 1950 contrae nupcias con Fanny Zuleta en Valledupar. Fue elegido como Rey durante el segundo Festival Vallenato en 1969 y en 1987, en los veinte años del Festival, fue coronado como el Rey de Reyes, derrotando en la final a Alejandro Durán Díaz. Colacho Mendoza era reconocido como uno de los más grandes maestros del acordeón; representó el símbolo del juglar tradicional, razón por la cual será recordado por su participación en las producciones de muchas de las grandes figuras de la farándula, como Jorge Oñate, Diomedes Díaz, Silvio Brito o jóvenes como Hugo Díaz y otros representantes de la nueva generación del vallenato. Su última aparición en vivo fue en un homenaje que le hizo el Congreso de la República al compositor Gustavo Gutiérrez. Le sobreviven siete hijos Wilber, acordeonero como su padre, Francisco, Ensueño, Adenir, Ricardo Elías, Ignacio y Julio Andrés. La desaparición del acordeonero, a sus 67 años, cubre de luto el escenario nacional, pero queda la leyenda de quien mantuvo siempre la fidelidad auténtica de la expresión vallenata.

 Orangel "El Pangue" Maestre, nació en Villanueva - Guajira el 19 de septiembre de 1961. Tenía 23 años cuando llegó a ser el décimo séptimo Rey Vallenato. Su participación en el Festival Vallenato la había iniciado a los 12 años, en 1973, cuando ocupó el segundo puesto en la Categoría infantil. En 1974 conservó la segunda posición en la misma categoría. 

 Considerado el mejor intérprete de caja vallenata del mundo. Fue fundador del conjunto de los Hermanos López, donde se le dió auge al cantante vallenato. Es así como en su grupo iniciaron Jorge Oñate, Poncho Zuleta y Diomedez Díaz. Es el vallenato que más ha tocado y participado en festivales de música popular en el exterior como en Berlín, Moscú, Alemania, Estocolmo y Helsinki. También en Japón en 1970, Exposevilla en 1992, Expolisboa en 1998. Se ha ganado cinco festivales vallenatos en la modalidad de caja. En México en 1968 participó en las Olimpiadas Mundiales de Cultura junto con alejo Durán.

Foto: Archivo particular / EL TIEMPO

Patricia Teherán Romero (Cartagena, 10 de junio de 1961 - Loma de Arena, 19 de enero de 1995) fue una cantante y compositora colombiana, la voz femenina más importante de la historia del vallenato.

Antes de comenzar su carrera musical profesional, al lado de la acordeonera Chela Ceballos, en 1988, la cartagenera Patricia Teherán (1969-1995) tocaba el saxofón y el clarinete. Juntas –Teherán y Ceballos– conformaron Las Musas del Vallenato, agrupación femenina con la que grabó tres discos. Seis años después, la cantante se independizó para fundar Patricia Teherán y Las Diosas del Vallenato, con Maribel Cortina en el acordeón; su primer trabajo juntas, en 1994, fue Tarde lo conocí, por la composición de Omar Geles.  Fue un éxito rotundo. Después llegaron otros sonados éxitos como Amor de papel, Me dejaste sin nada, Todo daría por ti, No me crees. Fue reconocida como "la voz femenina del vallenato" o "la diosa del vallenato".

Rafael Escalona le compuso el merengue La vieja Sara.
Sara María Baquero Salas (1892 -1975) permaneció la mayor parte de su vida en El Plan. Su importancia en el vallenato se debe a su carisma como bailarina, compositora, verseadora y parrandera, así como la simpática comadrona, dicharachera y alegre, anfitriona de mil parrandas. Posiblemente, fue la primera mujer que hizo parte activa y protagónica de una parranda con sus cantos anécdotas y versos.
Sus genes forjaron una de las dinastías más importantes de esta música. De sus diez hijos, el más célebre fue el mayor, Emiliano Zuleta Baquero. Descienden de ella Los Hermanos Zuleta, así como Héctor, Mario y, de las nuevas generaciones, Iván Zuleta. Quienes tuvieron la fortuna de conocer a la matrona de la dinastía Zuleta y Salas, la describen como una mujer generosa, amigable, alegre, de carácter firme y con gran vocación y perseverancia en la fe cristiana. 

 Director. Rafael Cassianni Cassianni

 Sonia Bazanta, mejor conocida como TOTÓ LA MOMPOSINA nació en una pequeña población llamada Talaigua, en el corazón de una isla del río Magdalena llamada Mompox (de allí su nombre). Criada en una familia de músicos, Totó aprendió a bailar y a cantar desde muy pequeña; su padre baterista y su madre cantante y bailarina, recorrían pueblos de la costa y eso la motivó a participar en las fiestas públicas de su pueblo, a cantar sola a capella, a elaborar sus propios vestidos, a ir a escondidas a los concursos de baile, se inscribía y los ganaba. Allí empezó el amor por sus raíces y tradiciones musicales; por ello se dedicó a rescatar, cultivar y promover los ritmos típicos de su región.

 Coreográfo, bailarín, investigador y maestro en danza afrocolombiana. Ha formado parte de importantes grupos de danza y música tales como Ekobios y Calenda Getsemaní, entre otros. En 1993 fue nombrado director del grupo Estampas de Funsarep, para este grupo creó obras como “Palenquería”, “Canto a la Libertad” y “Rastro”, que reflejan una investigación y una fusión de elementos afro-contemporáneos. Su trabajo se ha caracterizado por la búsqueda constante de sus raíces afro-colombianas, labor que lo ha llevado a profundizar y depurar todas aquellas vertientes ancestrales de la danza de nuestros litorales. En el 2001 el Instituto Distrital de Cultura de Cartagena le otorgó el Premio Beca a la comparsa “Sueño Caribeño”, creación suya. Ha participado en diversos encuentros y festivales a nivel nacional e internacional en Berlín, Madrid, Londres, Paris, Roma, Bélgica, entre otros.  En el año 2003 inició su proyecto de investigación en danza y música Afrocaribeña denominado ATABAQUEZ que dirige en la actualidad; uno de los grupos de danza destacados de Cartagena. 

Wilfran dice: “No es fácil vivir de la danza, se sobrevive, la protección social somos nosotros mismos. Formo parte del Plan Nacional de Danza, del Ministerio de Cultura. Trabajamos para un público infantil, juvenil y adulto. Hay una dimensión pedagógica de nuestra corporación. No nos quedamos en la música tradicional”. 

Alma de tambores

 “Provengo de una familia de Isla Fuerte, Bolívar, vinculada a la música. Mi padre, Luis Felipe Barrios, bailaba fandango. Mi madre Rosa Paz, bailadora de porros y fandangos. Mi abuela María Barrios y mi bisabuela Adela Barrios fueron cantadoras. Mi abuelo materno, José Paz, toca el saxofón. Hay en Cartagena mucho talento para la danza pero siempre nos falta disciplina, rigor y profesionalismo. Para mí es una vocación.