La Fundación BAT Colombia y la Universidad de La Salle presentan la exposición colectiva Encuentro de artistas populares Salón BAT: Bogotá, Boyacá y Cundinamarca, una muestra que reúne 90 piezas de 44 creadores.
Fiestas, Artistas, Instrumentos & Danzas
Las manifestaciones culturales de los pueblos en Colombia, usualmente alegres y coloridas, se hacen visibles en festivales y carnavales en los que la música juega un papel protagónico. Nuestras raíces también se reflejan en artesanías y parques arqueológicos, así como en pinturas y esculturas de grandes artistas.
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Escultora empírica y gestora cultural cuya obra nace de la intersección entre el territorio, la sostenibilidad y la identidad femenina rural. Con una práctica que transita entre la cordillera de Sandoná y la costa de Tumaco, Linares utiliza el arte como una herramienta de transformación social, trabajando de la mano con juventudes con discapacidad y comunidades vulnerables. Su propuesta se caracteriza por el uso de materiales recolectados de la naturaleza, integrando pigmentos orgánicos como el achiote y anilinas naturales. Fue galardonada con el Primer Premio en el VIII Salón BAT de Arte Popular por su obra “Tierra”, una pieza que encapsula la resiliencia afrodescendiente a través de la figura de una mujer y el fruto del chontaduro. En su trabajo, la cotidianidad se convierte en un homenaje a las tramas de resistencia que sostienen la vida en el Pacífico y el sur de Colombia. Más allá de la estética, su proceso creativo es un acto de preservación del saber ancestral y de respeto por los ciclos de la tierra. A través de talleres y procesos comunitarios, Ana Milena fomenta la creación artesanal como un espacio de inclusión donde la discapacidad no es una limitación, sino una sensibilidad distinta para moldear el entorno. Su búsqueda constante por materiales de bajo impacto ambiental reafirma un compromiso ético con el paisaje que habita, convirtiendo cada escultura en un puente que conecta la memoria colectiva de su natal Nariño con las nuevas generaciones.
Con más de tres décadas de trayectoria artística, ha desarrollado una sólida experiencia como artista autodidacta que inició su carrera en su juventud, cuando migró de Purificación (Tolima) a Bogotá. Desde los dieciocho años, su inquietud por el dibujo lo llevó a investigar técnicas en libros y ensayando constantemente. Aunque se ha especializado en la pintura y técnicas mixtas, en esta ocasión eligió el dibujo con bolígrafo sobre lona como medio expresivo, atraído por la precisión del trazo y la carga simbólica del blanco y negro. La Vorágine de Macondo es una escena que recrea con minucioso detalle la atmósfera de una casa típica colombiana: una mesa familiar, retratos en las paredes y el aire denso de la memoria. Inspirado en una antigua fotografía y en la literatura de Gabriel García Márquez y José Eustasio Rivera, el artista fusiona el realismo mágico con una visión nostálgica del pasado. La obra representa a una familia caribeña, –evoca a Úrsula y sus descendientes–, en un espacio que condensa la identidad rural, los vínculos y las costumbres domésticas.
Concepto del jurado:
La Vorágine de Macondo, del artista bogotano Guillermo Gaitán Hernández, no solo es una obra de arte mayor, sino que atesora el espíritu del Salón: representa la vida intensa de Colombia y la tristeza de la pobreza, pero también la solidaridad campesina y familiar, en la que todos tienen un plato en la mesa sin importar los problemas. Los cuadros de la pared también narran una historia y dejan al descubierto la búsqueda de la belleza que tiene cada ser humano sin importar su clase social. El dibujo –además de su destreza técnica, un fotorrealismo puro que, desde lejos, podría pasar como una foto de Walker Evans– está hecho con el elemento más popular de todos: un lapicero negro que puede conseguirse en cualquier tienda de barrio. Es una obra que, por supuesto, merece llevarse todos los aplausos.
Javier Enrique Núñez Herrera es un artista bogotano, con más de 20 años de trayectoria en la transformación de materiales recuperados. Su obra es un manifiesto sobre la segunda vida de los objetos; mediante un proceso meticuloso de ensamblaje basado exclusivamente en tornillos y remaches, Javier convierte lo "inservible" en piezas únicas de alto valor estético. Su arte no solo busca la originalidad visual, sino generar una conciencia profunda sobre el consumo y la sostenibilidad, demostrando que la belleza reside en la reinvención de lo cotidiano.
Es un artista empírico, nacido en Pandi (Cundinamarca), “tierra de cámbulos y gualandayes”, que ha hecho del muralismo y el arte urbano una forma de expresión social y de transformación del territorio. Durante años, ha realizado murales en estaciones de Transmilenio, plazas de mercado, espacios culturales de Bogotá y en Xochimilco (México). Tras la pandemia, empezó a trabajar con cultivadores, transportadores y comerciantes de flores, lo cual fue el punto de partida para la creación de su obra El sendero de las flores. Este mural representa la travesía de la flor desde el campo hasta el punto de venta. Rosas, astromelias, crisantemos y claveles desfilan por un sendero que honra a quienes hacen posible su llegada. La obra combina los planos popular, simbólico y testimonial, reflejando su visión de un arte comprometido con la vida cotidiana, la economía local y la dignificación del trabajo rural. El espacio público es un escenario mediático donde el arte urbano se convierte en un elemento cargado de mensajes que se suman a las emociones y sentimientos diarios de los transeúntes. En este caso, El sendero de las flores, se inserta con sutileza en un entorno urbano marcado por el caos visual y sonoro, generando un contraste intencionado que invita a la contemplación y transporta a los espectadores a otro escenario. La obra es impactante, y realista, y el uso de la paleta cálida construye una atmósfera envolvente, en la que se transmite parte importante de la diversidad del país, aquella con la que todos de una forma u otra, nos sentimos identificados; en este caso son las flores y las comunidades rurales y campesinas, que indudablemente evocan la memoria y la variedad de nuestro territorio. Es evidente que el artista goza de gran sensibilidad y demuestra un dominio técnico notable, tanto en el manejo del color como en la aplicación del material sobre un lienzo no convencional: la fachada, entendida aquí como soporte y superficie narrativa, que puede ser vista por todos, ya que se encuentra en nuestro lugar común: el espacio público.
Ganador en la categoría Arte Urbano Responsable en el VIII Salón BAT de arte popular, Colombia diversidad cultural y natural, con la obra: EL SENDERO DE LAS FLORES.
Este artista transforma el alambre en animal, cuerpo y metáfora. Su historia artística comenzó entre arcilla, pintura y plastilina, pero fue el alambre el que le reveló su propio lenguaje. A los trece años modeló un caballo diminuto, y con ese gesto sencillo inició un camino que ya suma cuatro participaciones en el Salón bat de Arte Popular. En Resiliencia, Camilo construye un animal monumental: un hipopótamo anaranjado que se sostiene en una estructura de alambre recocido. Sobre su lomo, una figura femenina pequeña, y detrás de ella, un ave se posa en silencio. La obra parte del lema de esta octava versión del Salón Colombia, diversidad cultural y natural. Por ello, el artista afirma: “Colombia es tan diversa que hasta hipopótamos hay”. Camilo lo asume como punto de partida simbólico para reflexionar sobre la carga histórica, social y ambiental que soporta esta tierra. El hipopótamo —animal invasor, pesado, resistente— se convierte en una metáfora del conflicto, del caos, de lo que es difícil de contener. La mujer que lo monta, pequeña en comparación, representa a Colombia, a su gente, su capacidad de resistir y avanzar. El ave, con su presencia liviana, introduce la esperanza. Esta escena tridimensional se convierte así en un paisaje de contrastes: peso y ligereza, caos y contemplación, problema y posibilidad. Resiliencia es el título de la obra en la cual Camilo Acosta representa a un hipopótamo, que no es un animal característico de Colombia, aunque sí es característico del país la recursividad con la cual Acosta y los artistas populares han logrado expresar su visión, en este caso metafórica, sobre el mundo y la libertad. El hipopótamo construido en alambre de un fuerte color anaranjado que lo aleja de la realidad permite comprender que su obra es básicamente simbólica, y que la especie invasora representa algo más que a su propia existencia. Ganador en la categoría obra en espacio público en el VIII Salón BAT de arte popular, Colombia diversidad cultural y natural, con la obra: RESILIENCIA (Alambre recocido • Variables • Rionegro, Antioquia)
